Crónicas da Terra

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outubro 31, 2003

Por onde anda Vítor Gama?

O tape_error404 deixou-me envergonhado. Fez-me lembrar que tenho prestado pouca atenção aos interessantes discos de Vítor Gama.

Publicado por Luís Rei às 12:17 AM | Comentários (2)

Onde é que fica a loja de discos mais próxima?

Depois de ter lido no Laranja Amarga o belo texto do ps sobre Branco, José Mário, apretece-me sair de casa à procura dos discos que me faltam deste CantAutor maior. A carteira é que me põe a pensar duas vezes...

Publicado por Luís Rei às 12:12 AM | Comentários (3)

PRÉMIO: meta ali na secção de bebidas espirituosas, faxavore!

Cómo lleva el hecho de grabar para Blue Note, un sello que usted ha venerado durante tanto tiempo?

--Es mucho mejor que estar en una de esas discográficas de pop. Me apetecía estar en un sello adulto. No tiene sentido que esté en una discográfica pop, porque ellos no saben cómo trabajar mis discos. No hay un diálogo con ellos. Las multinacionales no saben nada de música. Sólo quieren vender, y conmigo nunca han sabido qué hacer; me han tenido sólo por mi nombre. Quiero estar en un lugar donde se trabaje con música, no con pop para niños. (entrevista de Van Morrison ao site espanholrebelion.org, a propósito do seu mais recente trabalho "What's wrong with this picture?" editado recentemente pela Blue Note)

Publicado por Luís Rei às 12:04 AM | Comentários (3)

outubro 30, 2003

Prémio Aqui Há Peixe (oh! que saudades da Comporta...)

"Quando o dinheiro não abunda, como é que se pode trazer a uma cidade do litoral português uma banda de Nova Iorque com o prestígio dos Klezmatics? Desta forma: fala-se directamente com a banda, explica-se que é para vir a Portugal, e informa-se que só é possível pagar 30 por cento do cachet habitual. Do outro lado da linha perguntam: «Há peixe?» Do lado de cá responde-se: «Há.» E o contrato está feito. O festival Sons em Trânsito é assim: o que falta em orçamento (entre 50 a 60 mil euros) sobra em ambição, vontade e engenho." (João Miguel Tavares, no Diário de Notícias de hoje, aproveitando da melhor forma a tirada do Vasco Sacramento, durante a Conferência de Imprensa de apresentação do Festival Sons em Trânsito).

Publicado por Luís Rei às 12:24 PM | Comentários (5)

LHASA: um dos regressos mais ansiados.

São pequenas notícias como esta que nos alegram o dia. O Rui Silva, do Forum Sons e leitor regular deste blogue, postou aqui a crítica ao disco que marca um dos regressos mais ansiados: o da autora do admirável álbum “La Lhorona”. Não resisto a repescar a entrevista que fiz a esta canadiana errante, há cerca de cinco anos atrás e que estava postado no velhinho site das Crónicas da Terra.

Lágrimas de crocodilo

Filha de um escritor mexicano e de uma fotógrafa e antiga actriz americana, Lhasa de Sela nasceu nos Estados Unidos. Durante a adolescência percorreu o seu país costa a costa e viveu no México. Aos 25 anos, com residência fixa em Montreal, Lhasa editou um dos mais belos e melancólicos álbuns deste ano. "La Lhorona", figura mítica dos Astecas seduz os homens aos primeiros acordes de uma canção triste, para os beijar e tranformar em pedra. Um enredo que dá o mote à música triste, intensa e dramática que Lhasa e Yves Desriosiers arquitectam.

Que tipo de influência os teus pais tiveram na tua carreira?

Eles exerceram uma grande influência. Como estivemos muito tempo em viagem, não ia à escola. Eles foram os meus professores, habituaram-me a não ver televisão e a ler todo o tipo de literatura. A minha mãe ouvia habitualmente música muito triste que eu também adorava. O meu pai é professor de espanhol, por isso mesmo quando escrevo as minhas canções e entro na fase de bloqueio, não sei o que escrever, telefono-lhe e ele conta-me histórias e declama poemas para eu ter ideias.

Penso que deves ter tido problemas de integração durante a infância. Por um lado viajavas constantemente, por outro não vias televisão e ouvias música que os miúdos da tua idade não estavam habituados. Não te consideravam uma rapariga estranha?

Sim. Era uma rapariga muito solitária. Quando entrei na escola, tinha doze ou treze anos e foi muito difícil para mim. Era muito tímida, tinha medo das pessoas. Andava sempre sozinha, encostada a um canto.

As viagens que fizeste pelos Estados Unidos e México influenciaram algumas canções deste álbum?

Sim. Crescer da forma que cresci, faz-me sentir que a vida é uma aventura, cheira de magia e mistério. São estes os sentimentos que eu tento expressar através da minha música.

Disseste que o canto representa para ti uma forma de estares consciente das tuas emoções e rires-te delas. É difícil lidares com tais emoções?

Sim. Porque era uma rapariga muito calada e tímida, e o cantar permite-me pôr cá para fora emoções que eu desconhecia. Quando eu canto posso sentir toda a tristeza, melancolia e raiva. Com a música, tento fazer algo de bonito. Quero que toda essa tristeza e raiva sejam belas e que não sejam apenas uma forma de expressar emoções de uma forma criativa.

Para ti o belo não faz sentido sem sofrimento?

Tu tens a sombra e a luz e eu penso que a música é a combinação das duas. Apenas luz não tem sentido para mim. Mas se for apenas sombra é demasiado escuro, não consegues ver nada. Precisas de luz e sombra, precisas do contraste de tristeza e esperança, amor e raiva. É isso que faz com que a minha música seja dramática, bonita. Esse conflito está sempre presente na minha vida. Por muito que queira caminhar para a luz, tenho de passar pela escuridão para chegar à luz.
Penso que este álbum é como um filme mexicano dos anos 40, com uma produção moderna. Mas é um filme que conta apenas uma parte da tua vida.

Como será a "sequela"?

Não sei, mas penso que será diferente. Menos triste, mais extrovertido. Penso que nos últimos anos absorvi muito estas canções tristes e agora quero fazer algo diferente. É verdade que a ideia de fazer cinema com a música é uma realidade. O Yves (guitarrista) escreve comigo as canções e traz a tal qualidade cinemática. Mas ele também mudou um pouco. Não sei o que virá. Vamos fazer muitos espectáculos até Maio, e depois pretendo efectuar uma pausa para escrever.

"La Llorona" é um disco de múltiplas referências. Riacheras mexicanas, temperos klezmer, música de cabaret. Como acontece todo este ecletismo?

Oiço música todo o tempo. Sou uma fanática. Não é nada que decida, acontece porque quando estamos a compor dizemos isso é bom, e pode soar a música grega, klezmer, ou o que seja.

Muitos jornalistas referem que o facto de cantares em espanhol é uma desvantagem. Mas esta não é a forma que te permite dar maior expressividade às tuas emoções?

Sim. Eu nunca quis ser uma estrela pop. Queria fazer música do fundo do meu coração. A carreira artística é importante, mas para mim a minha vida tem ainda mais valor. Quero ser verdadeira para comigo. Senão sou apenas uma operária da música.

Cantar em espanhol não será também uma questão de estilo?

Não sei. O espanhol inspira-me. É também uma questão de estilo. Quanto canto em espanhol tenho uma voz diferente. Gosto de cantar em muitas línguas. Gosto de cantar em inglês, em francês, canto também em italiano, russo e um pouquinho de português. Gosto de cantar em línguas diferentes, porque cada uma tem uma cor e um feeling próprio. Quando fiz este álbum, senti-me inspirada pela forma como o espanhol me permitia ampliar a tristeza.

Tens uma verdadeira alma cigana. É difícil lidar com tantas restrições de horários a que agora estás submetida?

Há uma parte de mim que se sente como um cãozinho, saltando no circo. Aí sou muito obediente. Mas por vezes sinto que queria ser um leão, não ter de obedecer a ninguém. Porém, quando estou no palco, a magia paira no ar e sinto-me livre.
É uma vida difícil. Tens de fazer muitas coisas que não gostas. Mas quando estás lá em cima esqueces tudo isso.

Para ti o palco é um local mágico. Mas para sentires essa magia precisas de ter um público que te compreenda. Certo?

Quando as coisas correm bem, liberto-me, sinto-me muito próximo da audiência e penso que estamos a ter um sonho em conjunto. Saímos da realidade e criamos um mundo próprio, cheio de coisas misteriosas a acontecer.

É muito difícil lidar com diferentes audiências de diferentes países?

Nem sempre a magia acontece. Depende do tipo de concerto que fazemos, se é num festival onde não nos conhecem, ou num teatro em que somos cabeças de cartaz e as pessoas sabem ao que vão. Por exemplo, nos Estados Unidos só uma ínfima minoria compreende a minha música. Mas quando estive na Ilha Reunião e fiz a primeira parte da Cesária Évora, senti uma coisa incrível. Um momento mágico. Estava tão longe de casa, sentia-me nervosa, mas o entendimento entre mim e o público foi fantástico. É por isso que eu digo que a vida é uma aventura.

Jornalistas americanos afirmaram que eras a sua resposta indígena à Cesária Évora. Concordas com a comparação?

Gosto muito da música dela, já a vi três vezes ao vivo, mas penso que há muitas diferenças. Uma é que ela não escreve canções e canta apenas as tradicionais de Cabo Verde, outra é que ela é muito calma em palco. Eu sou muito emocional, com o nervo à flor da pele. A música dela pode também ser melancólica, mas é mais doce, mais suave.

Tens planos para tocar em Portugal?

Talvez na próxima Primavera. Estamos a planear tocar em Espanha e Portugal durante Março ou Abril. (NR: entrevista efectuada por telefone em Janeiro de 98).

Publicado por Luís Rei às 12:18 PM | Comentários (6)

outubro 29, 2003

Voxx e Luna vendidas: para onde caminha a rádio portuguesa?

O Negócio: Rádios Voxx e Luna Vendidas
Quarta-feira, 29 de Outubro de 2003

A Alta Autoridade para a Comunicação Social (AACS) aprovou a venda da rádio Voxx (duas frequências) e da Luna a uma empresa que tem duas estações a retransmitir rádios da Media Capital. Numa deliberação aprovada por maioria na semana passada, a AACS autorizou a aquisição total do capital da Côco- Companhia de Comunicação - que detém duas frequências da Rádio Voxx (uma em Lisboa e outra no Porto) e a Luna FM (dedicada à música clássica e ao jazz e sediada no Montijo) - pela Rádio Milénio. Esta empresa, cujas acções pertencem a um único sócio, declarou ter apenas outras duas rádios - a PRC de Coimbra e a rádio do concelho de Cantanhede. Em ambos os casos, as estações retransmitem rádios da Media Capital - em Coimbra passa o Rádio Clube Português e em Cantanhede é reemitida a Best Rock FM. Como a empresa Rádio Milénio declarou ter apenas estas duas frequências, a AACS autorizou a compra de mais três, perfazendo o total de cinco que é o máximo permitido por lei.

(in Público).

Bem ou mal, apesar de se ter tornado um verdadeiro gira-discos sem animadores, a Voxx ainda ia tendo programas de autor que mereciam a nossa atenção. Que uso darão a estas frequências os futuros proprietários? Já que se fala em imposição de quotas na música portuguesa, seja-se também rigoroso na concessão de frequências. Acabem com as cadeias de rádio que não servem as populações locais onde essas frequências se encontram atribuídas. Se assim não fôr não faz sentido a imposição de quotas.

Publicado por Luís Rei às 12:17 PM | Comentários (34)

MÍSIA responde à crítica do The Guardian

Mísia, escreve-nos a propósito da crítica ao disco “Canto”, no Guardian, que fizemos questão de comentar , há alguns dias, neste blog:

Caro Yggdrasil
Obrigada pelo seu acertadíssimo comentário à estranha crítica do Guardian.
Não discuto os gostos pessoais do jornalista - eu também gosto da Mariza!
O que é lamentável é a ignorância desse senhor. O meu disco Canto NÃO é um disco de Fado, portanto as comparações não fazem sentido neste caso. Depois, este senhor não se informou acerca da importância da música de Carlos Paredes nem percebeu as características deste projecto (falo de perceber não de gostar), e por último falta descaradamente à verdade quando desinforma os seus leitores acerca da cronologia da minha carreira.
Numa altura em que o Fado não estava na moda já eu tinha enchido dois Queen Elisabeth Hall em Londres, ganho o prémio da Académie Charles Cros (também atribuido a Amália pelo seu disco Com que Voz) feito duas vezes o Jazz Festival de Montreux , colaborado com Bill T Jones, Isabelle Huppert, obtido uma excelente crítica na revista norte-americana BillBoard, esgotado o Tow Hall de Nova York, a Philarmonia de Berlim duas vezes, enfiiiiim!!!
Só que nessa altura o Fado não tinha interesse mediático que tem hoje (e ainda bem) e eu andava sozinha na travessia do deserto.
Este senhor não fez o trabalhinho de casa, eis tudo!
Talvez lhe conviesse ler a crítica excelente a este disco no Inrockuptibles, mas em França o interesse por músicas de outras culturas não é algo recente e eles sabem do que falam, independentemente de gostarem ou não de um disco.

Eu continuo o meu caminho....

"saudades" e obrigada de novo
mísia

É, de facto, verdade que Mísia foi a pioneira da divulgação do fado fora de portas. Enchia salas em Espanha e França quando toda a gente a ignorava entre portas. E, já o disse aqui, foi preciso aparecer a Mariza para os ingleses começarem a piscar o olho à música portuguesa. Nem os Madredeus conseguiram ter a projecção que a Mariza tem neste momento nas ilhas britânicas. Os ingleses. Porque os franceses, belgas e holandeses há muito que declararam proposta de casamento à Cristina Banco, à Mafalda Arnauth (que ninguém sabe quem são em Inglaterra – e quando souberem , lá vêem mais uma vez as inevitáveis comparações com a Mariza). No entanto, gostava de recuperar a resposta que dei nessa posta acerca do crítico do Guardian a Fadista Valéria Mendez, quando afirma que esse é um “texto próprio de quem não entende nada de fado, nem de música no geral. Mais um tonto que ainda não percebeu que Mariza não é mais do que uma fadista "de plástico", com uma grande máquina promocional atrás,que nem AMALIA algum dia possuiu.”

Apesar de concordar com ambas as opiniões, De saber que os franceses são muito mais sensíveis à música portuguesa, também não posso deixar de fazer o papel do “advogado do diabo” e ilibar Robin Denselow:

“Cara Valéria, compreendo o seu ponto de vista. Não deixa de ter razão naquilo que afirma, no entanto deixe-me refutar a sua opinião.

1. Seja fadista de plástico, tenha ela uma máquina de promoção forte por trás, a Mariza ajudou a abrir as portas em Inglaterra à música portuguesa. O que é um facto notável dado a carácter etnocêntrico do povo britânico.

2. Embora tenha achado um pouco triste o texto do Robin Denselow sobre a Mísia, prefiro que se fale com imprecisões do que se ignore. Não é fácil falar sobre música portuguesa para um inglês, em que a maior parte dos booklets não tem versão inglesa ou francesa e em que quase nada há escrito (praticamente só uns textos no Rough Guide) sobre nós.

3. Num suplemento como o Friday Review do Guardian, onde geralmente há espaço somente para cinco críticas a discos na área da pop, o jornalista Robin Denselow comete a proeza de escrever todas as semanas sobre, pelo menos, um disco de músicas do mundo. Em três meses este senhor escreveu sobre mais discos desta área (Javier Ruibal, Kristi Stassinopoulou, Mariza, Misia, Abyssinia Infinite, Rokia Traoré - que mereceu honras de capa no referido suplemento - June Tabor, Kekele, Oumou Sangare, Oi Va Voi, Festival in The Desert, Malouma, Terry Hall & Mushaq, Debabshish Bhatacharya and Bob Brozman, Susheela Raman, Manecas Costa, Yat-kha, Lo Jo, Ibrahim Ferrer) do que os todos os suplementos musicais em portugal juntos. Como sabe, estes têm muito mais espaço para crítica de discos. Tirando os portugueses ainda só vi na imprensa portuguesa textos escritos sobre o novo disco Susheela Raman.”

Yggdrasil

Publicado por Luís Rei às 08:22 AM | Comentários (1)

outubro 28, 2003

EARTH-WHEEL-SKY-BAND: A cavalo, sem freios, da Sérvia ao Rajastão.

Earth Wheel Sky Band
Waltz Rromano
Asphalt Tango

O início não engana. Estes Sérvios querem conduzir-nos de volta ao berço da civilização cigana. Poderia tratar-se de uma viagem através do Expresso do Oriente com paragem no Rajastão, mas esta é uma aventura selvagem, feita a cavalo, sem freios. Se, praticamente, pouco se deu por eles no anterior álbum “Rroma Art” (edição Sabotage), “Waltz Rromano” soa aos nossos ouvidos como o detonar de uma bomba de neutrões. Exagerado? Este é, provavelmente, o álbum mais interessante de 2003 (e um dos melhores de sempre) feito por músicos de etnia cigana. Olah Vince, raposa velha que tocou recentemente na orquestra LaDaABa de Boris Kovac, impõe o estilo feio-porco-mau-durão-e-mafioso, quer na sua voz de “vibratto”, quer no toque epiléptico de guitarra e de violino. Um álbum feito de virtuosismo, de explosões, de sonoridades vetustas (sobretudo o de cymbalom) e de uma capacidade e uma versatilidade ímpar que os ciganos têm de ir a todas. Não falta o nervo do rock sem recurso a instrumentos eléctricos (“Choro Rrom”), as variações de acordes de guitarra sobre “Misirlou Twist” de Dick Dale, para o trompete de Boban Markovic brilhar (“Vranje-Rromans), ou o mergulho no berço da civilização Rromani num interessante diálogo entre cítara indiana, violino e cymbalom. Essencial. Ao nível da Taraf de Haïdouks. (9/10)

Publicado por Luís Rei às 07:31 AM | Comentários (1)

outubro 27, 2003

MARIZA: The same old story

Mariza actua hoje em Inglaterra, no Royal Festival Hall. Robin Denselow do Guardian (quem mais podia ser) entrevistou-a há uma semana atrás. As histórias continuam a ser as mesmas, só que agora estão escritas em inglês.

"Most people of my age were not connected with the music. They felt it was the music of the Salazar regime, and not a cultural thing. Salazar was supposed to keep the people quiet with the three Fs - football, Fatima [a Catholic shrine] and fado.

Publicado por Luís Rei às 07:27 PM | Comentários (4)

outubro 26, 2003

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (20) VÁRIOS - "CLUB AFRICA" (VOL 1)

Vários
Club Africa
(Strut)

Por muitos anos que certas gravações possuam, conseguem manter uma certa modernidade e contemporaneadade, sobretudo em determinados contextos. “Club Africa”, à semelhança da primeira compilação seleccionada por Russ Dewbury - “Afrofunk” - surpreende pela forma como alguns registos resgatados ao início dos anos 70, conseguem oferecer uma brisa de frescura à cena de dança actual, necessitada de injecções de ritmos e melodias de raiz, neste caso afro-latinas. Uma das matrizes influentes no trabalho de produtores da actualidade como Masters Of Work, Soul Ascendents e Frederic Galliano.
“Club Africa” não é mais do que o resultado de uma conjuntura em que alguma dessa modernidade é-nos revelada pela descoberta de outras músicas (re) localizadas no tempo e no espaço, como o funk, rock, soul e disco latino em “Barrio Nuevo” e do ska, rocksteady e dub jamaicano em “100%; 200% Dynamite” (ambas da editora Soul Jazz). Neste exercício selectivo de extremo bom gosto, “Club Africa” vem dar razão a Gilles Peterson da Talking Loud, quando reedita (há bem pouco tempo) parte da obra (em dois volumes de seis discos) de Fela Anikulapo Kuti, o mago do afro-beat. Sem este exemplo maior de genialidade e intemporalidade, “Club Africa” reúne mais ou menos obscuros (em termos do conhecimento do grande público), em que sobressai o nome da sul-africana Miriam Makeba, cuja carreira musical foi, à semelhança de Fela, marcada pela contestação ao regime político do seu país - neste caso o Apartheid - valendo-lhe um exílio nos Estados Unidos e Ghana por mais de 30 anos.
Aqui encontramos o pulsar de escaldantes ritmos africanos em confronto ora com devaneios jazzísticos que se servem estridentes secções de metais e possantes linhas de baixo, ora com uma linha soul / funk em que se nota o peso dos teclados e a fluidez de aerofones mais frágeis que introduzem uma certa frescura ao sufocante calor que emana de “Club Africa”.

Publicado por Luís Rei às 02:16 AM | Comentários (1)

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (19) MATT DARRIAU PARADOX TRIO - "SOURCE"

Matt Darriau Paradox Trio
Source
(Knitting Factory / Megamúsica)

Ao longo de três álbuns, um dos expoentes máximos da downtown nova-iorquina - Matt Darriau – une a linguagem jazz a um grande caldeirão de influências ancestrais, que registada na simbiose de culturas de um vasto império como o Otomano. Um álbum que poderia ser uma facção modernista da ecléctica música klezmer de origem judaica em diálogo com o jazz, mas que é muito mais que isso. Source absorve uma enorme variedade de ritmos e danças do Mediterrâneo e das Balcãs de origem romena, turca, búlgara ou grega, filtradas pelas composições (maioritariamente) próprias de Matt Darriau. Tais arranjos encontram-se devidamente embebidos nestas tradições, facto que não impede alguma rudeza e um (por vezes) um certo improviso na sua interpretação. Algo que, pela incessante necessidade de uma leitura pessoal da música klezmer, poderá soar a uma resposta a certos trabalhos como os dos Klezmatics - Lorin Sklamberg tem também o seu tempo de antena neste disco ao cantar em turco e yiddish. À semelhança de Marc Ribot que deu novas tonalidades à música cubana de Arsénio Rodriguez no último disco com a orquestra Cubanos Postizos, este é um disco feliz. Oferece uma nova amplitude ao legado tradicional balcânico e mediterrânico.

Publicado por Luís Rei às 01:57 AM

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (18)
PER GUDMUNDSON, ALE MÖLLER, LENA WILLEMARK - "FRIFOT"

Per Gudmundson, Ale Möller, Lena Willemark
Frifot
(ECM / Dargil)

Mais que um incontornável projecto da folk contemporânea nórdica, Frifot é a designação que alberga três fortíssimas personalidades que há muito edificaram um micro universo pessoal e fortemente enraizado na múltipla tradição sueca do arrepiante kulning (canto arcaico que se usava para chamar os animais de pasto), das lindíssimas baladas medievais, do difícil (e por vezes sonolento) violino da região de Dalarna, que ganha nas mãos de Gudmundson tonalidades mais explosivas. “Frifot” pode não inovar muito relativamente aos dois anteriores álbuns deste projecto e a trabalhos a solo dos três músicos, ou a duo de Ale Möller e Lena Willemark, como “Agram” ou “Hasten Och Tranan”. Antes é o cimentar de uma música intemporal, feita de experimentações, que encaixa perfeitamente bem, como uma peça certa no “puzzle” discográfico da editora alemã ECM. Mais uma vez, o discurso deste trio é feito de cumplicidade, diversidade e grande emotividade, próprio de quem domina a linguagem musical e cujos instrumentos são uma extensão do corpo humano. De pequenas subtilezas que evoluem neste universo, que tanto preserva a tradição, como admite subversões sabiamente balizadas pelo virtuosismo e visão do trio. De grandes espaços onde se respira a floresta, os altos e baixos próprios de uma natureza acidentada influenciada pela geografia norueguesa dos fjords e dos lençóis de água que os circundam, a voz doce e agressiva de Lena cuja língua nativa é um bálsamo para os nossos sentidos, a riqueza instrumental de cariz épico da mandola, das flautas e do hammered dulcimer interpretado por Ale Möller, que através do seu subtil toque nos concede a ideia de paraíso em tais paragens. Mais um disco notável, em que as fronteiras da folk, da clássica e do jazz se diluem numa interpretação tão difícil quanto brilhante, ao alcance de quem nasceu com um dom especial.

Publicado por Luís Rei às 01:48 AM | Comentários (2)

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (17)
TAJ MAHAL + TOUMANI DIABATÉ - "KULANJAN"

Taj Mahal + Toumani Diabaté
Kulanjan
(Hannibal)

Kulajan é o resultado da união entre um homem do blues com quase meia centena de discos editados, Taj Mahal, e um dos maiores virtuosos do kora, Toumani Diabaté que, depois de aventuras com os Ketama, continua a senda de gravações com músicos de outras latitudes. Este é um disco que o blues man tinha desejo de fazer há algum tempo, desde que visitou o Mali e ficou convencido que os seus antepassados se encontravam entre a grande família Kouyate (um dos clãs principais de Griots do império Mandinga).
Kulajan é acima de tudo o encontro feliz entre o blues e aquilo que ambos consideram ser o seu predecessor: duas das tradições que encontramos no Mali (a música dos Griots - mais meditativa - e os ritmos wassoulou dos respeitados caçadores, mais dançável, que marca a origem do funk). Um encontro entre a guitarra e os instrumentos que a precederam, o kora e ngoni. Uma viagem às raizes africanas do blues made in USA, decalcada num sentimento melancólico comum, feito de um serpenteado notável de cordas. Um casamento perfeito a que não faltam as damas donores, isto é, mais seis músicos da mesma família ou casta, de onde se destaca um outro instrumentista de kora, Ballake Sissoko, homem que editou este ano com Toumani Diabaté o dueto de cordas New Ancient Strings. Os restantes músicos têm aqui um papel importante sobretudo na interpretação de ritmos e melodias wassoulou através de kalamengoni (harpa dos caçadores) e balofon (xilofone de madeira) e nas exuberantes vozes que parecem chegar ao céu.

Publicado por Luís Rei às 01:24 AM

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (16)
VÁRIOS - "THE COMPLETE UK UPSETTER SINGLES COLLECTION (VOL 1 E 2)

V / A
The Complete UK Upsetter Singles Collection (vol 1 and 2)
(Trojan)

Aos 66 anos, Lee Perry é e continua a ser um dos maiores génios criativos que a Jamaica viu nascer. Líder dos Upsetters e prolífico produtor, durante a época de ouro entre 69 e 73, gravou na sua editora Upsetter cerca de 200 títulos em mais de 100 edições, que a etiqueta britânica Trojan agora recupera. Nestas duas compilações encontram-se documentados numa centena de faixas a assinatura pessoal de um músico que afirmava não ser deste mundo. Os seus actos faziam-nos acreditar nele, quando afirmava ser um extra-terrestre. Usualmente, plantava discos no seu jardim, dançava em cima das mesas de mistura e foi o principal responsável pelo incêndio que ocorreu no seu estúdio durante a década de 80. Factos que explicam em parte uma presença regular em sanatórios. Mas toda a sua loucura, fez de Lee Perry um autêntico visionário. Nestas duas compilações encontra-se material em bruto de um reggae em fase de decomposição, a meio caminho para aquilo que iria suceder a seguir com os álbuns Rythm Slower e Blackboard Jungle: a crescente ramificação de estilos que deu origem ao ragga, dancehall e dub. Lee Perry afirma que o acto de «produzir não é coisa que aprendes, nasce contigo». Daí se explique, em parte, toda a veia intuitiva, a aura de misticismo e o estado mental de abstracção, a permitir que o ritmo flutue na mente, como se de um “big joint” (a imagem da capa não engana) se tratasse. Em suma, uma obra essencial que documenta o período mais criativo de Lee “Scratch” Perry e uma “biblia” de referência na compreensão da história do dub.

Publicado por Luís Rei às 01:10 AM

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (15)
MERCEDES PEÓN - "ISUÉ"

Mercedes Peón
Isué
Resistência / Sabotage

O mais interessante que a Galiza nos tem oferecido em termos de música folk, sempre foi dominado pelo lado depurado de interpretar a rica tradição de muñeiras, foliadas e alvoradas. Quer pelos Milladoiro que estão para a música galega como dos Chieftains estão para a irlandesa – uma instituição intocável pelo extenso trabalho até hoje produzido a quem se desculpa um álbum menos conseguido – quer pelos Luar Na Lubre que impõem uma perfeição onírica às entranhas da pura tradição local, sem terem necessidade de correr riscos.
Demarcando-se do terreno pantanoso de um dos maiores aventureiros galegos – Carlos Núñez – cuja brilhante técnica de gaita de foles tem sido abafada pelo mau gosto das suas composições, Mercedes Peón assume-se como uma das principais estetas da revolução da folk do Norte de Espanha, ao lado dos excessivamente progressistas Berrogüetto. Mas Peón vai muito mais além do que a banda do brilhante instrumentista Anxo Pintos.
“Isué”, o álbum de estreia da cantora, compositora, gaiteira, pandeireteira, dançarina e responsável por algumas recolhas de temas aqui incluídos, subverte a habitual rigidez de abordagem à música galega de forma brilhante, tornando-se num legítimo candidato ao estatuto de “Kaksi” ibérico. Partindo de uma base assaz regional, na qual se pode escutar que o “Galego que non fala a língua da sua terra non sabe o que tem de seu”, Mercedes Peón parte em busca do mundo que a rodeia: da confluência melódica arábico-mediterranico-balcânica em “De Seu”, ao transe rítmico tribalista e quente da África Negra e Muçulmana, às abrasadoras e misteriosas vozes xamânicas de gélidas latitudes, sem esquecer de arriscar numa experiência tecno-pop (“Sombra de Luz”) menos feliz e no tom festivo ska-folk algo gasto (“Adorno”), com alguns contornos saudosistas evocativos dos Pogues.
“Isué” é, para concluir, um puzzle que prima pela diversidade e Mercedes Peón é uma compositora-cientista em constante experimentação e refutação de teorias, nunca esquecendo a base de todo o seu trabalho: as recolhas que fez em solo Galego.

Publicado por Luís Rei às 12:30 AM

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (14)
TARAF DE HAÏDOUKS - "BAND OF GYPSIES"

Taraf de Haïdouks
Band of Gypsies
(Crammed / Megamúsica)

Depois de dez anos de intensas digressões à volta do mundo, a Taraf de Haïdouks (grupo de justiceiros) fizeram justiça pelas próprias mãos. Entraram pela primeira vez, de forma apoteótica na capital Romena, para gravar o seu quarto disco ao vivo. Uma super produção que demorou três noites, onde contaram com a presença de convidados especiais de vulto: a Koçani Orkestar Brass Band da Macedónia e o turco Tarik Tuysuzoglu. Quem conhece a Taraf de Haïdouks como referência incontornável da música cigana e da folk que sopra de leste, poderá minimizar tal feito. Apesar da banda criar simpatias com gente ilustre como o actor Johnny Depp, que chegou a pagar cerca de vinte mil contos (cem mil dólares) para os ver no seu bar Viper Club e com o estilista japonês Yamamoto que já vestiu todos os seus elementos, a Taraf de Haïdouks é praticamente desconhecida na Roménia. Se na era Ceausecsu, os músicos ciganos eram constantemente vigiados pela polícia política, para não cantarem as baladas medievais mitológicas que pudessem descrever actos heróicos de outrora e consequentemente desvalorizar a política comunista, hoje em dia esses mesmos ciganos que detêm o mais baixo nível de vida na Roménia, continuam a ser alvo de actos racistas generalizados. No entender da população branca, são eles os responsáveis pelo contínuo mau estar económico e social que o país tem sofrido nestes dez anos da era pós-Ceasusescu. As consequências variam: desde a impossibilidade de as crianças frequentarem a escola e outras instituições públicas, ao acto de fogo posto nas suas casas perpetrado pela população branca. Sem acesso à educação, as crianças ciganas de Clejani podem não saber ler e escrever, mas desde cedo aprendem instintivamente a tradição dos “lautari”. Afinal, é esta a forma mais eficiente de ganharem dinheiro em todo o tipo de celebrações: casamentos, aniversários, baptizados e funerais.
Bela Bartók poderá acusar os ciganos de corromperem a verdadeira folk dos camponeses da Europa de Leste. No entanto, a Roménia só tem de agradecer-lhes pelo facto de nunca terem parado de tocar e terem continuado a cantar clandestinamente (e a passarem de pais para filhos) as canções que Ceausescu proibiu e cujos registos magnéticos queimou, dando um importante contributo para a preservação de parte dessa cultura. Daí que tenhamos de concordar com a opinião do mestre da tabla indiana Zakir Hussain quando diz que, sem os ciganos a história musical do nosso planeta seria diferente, comparando-os a abelhas que voam por todo o planeta e que misturam o pólen musical que recolhem de diferentes flores. Afinal, foram eles que transportaram da Índia o conhecimento de várias percussões, que se foram desenvolvendo com a diáspora cigana: a dumbak no Líbano, a Tar na Núbia ou a Darbouka na Turquia.
A Taraf de Haïdouks e o sublime registo “Band of Gypsies” acaba por fazer bom uso das palavras mobilidade, espontaneidade, diversidade, cumplicidade e despique que caracterizam cada concerto. O confronto entre gerações (a dos 70/80 anos e dos 20/30 anos) provoca a dualidade entre a balada cantada e sentida com a mesma mágoa do blues e as composições instrumentais tocadas a todo o gás, como se o pendular pendulasse (a cerca de 300 kmh). O caldeirão culturas consegue fazer aquilo que os diversos chefes de Estado não têm conseguido: unir toda a extensa região das Balcãs através da música - da Jugoslávia, Hungria e Roménia, até à Bulgária, Macedónia, Turquia - com o Norte de África. Todo o seu tecnicismo e improviso põe à prova a capacidade de criar empatia em qualquer palco do mundo. Sente-se que a Taraf de Haïdouks precisa do calor do público, como uma acendalha numa fogueira, para entrar em combustão e dar toda a energia e virtuosismo selvagem que têm e não têm. Além da capacidade que eles possuem de tocar todo o dia e toda a noite, visível há meia-dúzia de anos em Faro quando se encontravam em rodagem de um documentário sobre a banda, os treze elementos funcionam como uma equipa bem oleada, sem estrelas, cujo cúmulo da coesão é conseguirem mudar de contra-baixista a meio de uma composição, sem prejuízo para o espectáculo. A todas estas características visíveis aos olhos de quem teve a oportunidade de os ver ao vivo em Portugal, de realçar neste disco o duelo que a Taraf perpetua com a Koçani Orkestar, com as cordas dos romenos e os metais dos macedónios a amplificarem ainda mais o tom de êxtase selvático, mas puro das celebrações ciganas. Por tudo isto, a Taraf de Haïdouks tornou-se na principal embaixatriz da cultura musical da Roménia, para desgosto do cidadão comum deste país. A justiça feita por justiceiros tem destas coisas.

Publicado por Luís Rei às 12:18 AM | Comentários (1)

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (13) NITIN SAWHNEY - "BEYOND THE SKIN"

Nitin Sawhney
Beyond The Skin
(Outcaste)

Asiático nascido em Inglaterra, Nitin Sawhney é um exímio fusionista que além de dominar na perfeição o universo dançável ocidental, traz consigo a riqueza de uma cultura como a indiana que o leva a afirmar com toda a razão que artistas do sangue dele «têm mais para dizer e um vocabulário mais forte». Sawhney é um artista multi-talentoso conhecido ora por guitarrista de flamengo, ora pianista jazz, percussionista indiano, compositor clássico e DJ, tendo já trabalhado em Teatro, Dança, TV, Rádio e Cinema. Factos que reflectem um Universo mutante e multicultural presente em Beyond The Skin. Álbum que abre com Broken Skin, uma canção soul elegante de orquestração sensual para a voz da também britânico-asiática Sanchita Farruque, acompanhada por ambientes de tablas e vocais próprios da tradição de Bengal, que inicia o discurso anti-nuclear deste disco-manifesto. Letting Go amplia as variáveis fusionistas presentes ao longo dos temas-equações deste álbum, ao unir outra voz - Tina Grace - num ambiente que poderia ser o de Pure dos Golden Palominos, decorado com uma guitarra acústica de flamengo e voz indiana. Algo a que Homelands dá continuidade ao unir as vozes Qawwali dos sobrinhos de Nusrat Fateh Ali Khan - Rizwan Muazam - com o mesmo flamenco, as orquestrações luxuosas e agora outra voz melosa e calorosa, a de Nina Miranda a cantar em português. Do rap de Spek dos Dream Warriors (em Pilgrim) embelezado por um swarlin (violino indiano), a momentos intensos de piano (Tides), ou à conjugação perfeita de um drum’n’bass mortífero que estende o tapete à voz telúrica da indiana Swati Naketar, na pura tradição thromi (Nadia), sem esquecer os ritmos vocais kathak, sobre um ambientes electrónicos experiementais (Serpents) que evoluem para uma obscuridade à tensão pré-milenar (Anthem Without Nation). Beyond The Skin é um álbum de perfeições, de pormenores elaborado por quem domina as linguagens musicais do Ocidente e Oriente.

Publicado por Luís Rei às 12:07 AM

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (12)
CHEIKHA RIMITTI - "NOUAR"

Cheikha Rimitti
Nouar
(Sono / Megamúsica)

Khaled, Faudel e Cheb Mami popularizaram o raï (música pop de origem argelina), mas todos eles foram beber inspiração à “mãe” Cheikka Rimitti, dona de uma sólida e extensa carreira que remonta aos anos 30. Apesar de viver em França, Rimitti tem o querer suficiente para não se deixar impressionar pelas maravilhas das técnicas de produção locais que transformam a música de muitos magrebinos em verdadeiros sabonetes.
Apesar dos seu 77 anos, Cheika Rimmitti consegue modernizar a tradição de Oran (vila argelina do qual os seus “filhos” degenerados também são oriundos), através da vivência pacífica na orquestra de instrumentos ocidentais (teclados, baixo, trompete) e locais (darbouka, bendir, gasba, tar). Elementos que guardam um dos tesouros mais profundos da África muçulmana: a sua voz tão sofrida quanto intensa e poderosa, própria de quem refere que “o infortúnio foi o meu professor”.

Publicado por Luís Rei às 12:00 AM | Comentários (5)

outubro 25, 2003

DISCOGRAFIA ESSENCIAL (11)
ROKIA TRAORÉ - "WANITA"

Rokia Traoré
Wanita
(Indigo)

Ao segundo disco, Rokia Traoré e já um dos maiores tesouros que nos chega do Mali. Com a profundidade e simplicidade do estilo abluesado de Ali Farka Touré, que oferece paisagens sonoras à beira do rio Niger, mesmo à entrada do Sara, sem perder de ouvido o balanço frenético dos ritmos wassolou característicos em Oumou Sangaré, Rokia Traoré mostra a Youssou N’Dour que se podem fazer discos em África que agradem a ouvidos ocidentais, sem alterar geneticamente a raiz local. Num estilo hipnótico e repousante que serena os espíritos mais malignos, esta nova diva merece que acreditemos em anjos negros. Divinal.

Publicado por Luís Rei às 11:52 PM

outubro 24, 2003

Prémio “e esse rocket não pode cair cá?”

Folk Roots: If you had a rocket launcher, who or what would be the target, and why?

Karen Tweed (acordeonista dos excelentes projectos, The Poozies e Swap): Margaret Tatcher for daring to class herself as a woman; arts council for making it so very difficult for the less academic musicians to apply for funding; record companies / shops who ensure that music will always be put into inflexible boxes instead of employing people who know what they are talking about and categorising the CDs in alphabetical order; awards ceremonies that pretend they are looking at the whole spectrum. Oh and opinionated, loud mouthed accordionists most of all. (in Folk Roots nº245 November 2003)

Publicado por Luís Rei às 11:01 PM

Boban Markovic - a Loucura pós "Underground" continua

Boban Markovic Orkestar
Boban I Marko
(Piranha / Megamúsica)

Numa semana em que o Público edita o DVD do filme “Underground”, é obrigatório escutar o novo álbum do sérvio Boban Markovic. Mais um registo dominado pela fantasia, magia, pujança, espírito selvagem e lúdico (se bem que aqui um pouco mais sofisticado) tão característico nas brass bands de leste. Há festa grossa encapotada num formato pop de inspiração 'bregoviquiana' (“Od Srca”). Mas há muito mais inflexões jazzísticas em mortíferos e intermináveis solos e duelos com o seu filho de 14 anos, Marko. E muito mais quebras e variações rítmicas e melódicas. Num salto de elefante deixamos o aroma contemplativo que sopra da Ásia Menor e embarcamos num brass’n’samba acabado de ser servido por uma banda de metais do Suriname, que não pede licença para nos pôr a dançar ("Sanja Samba"). Irresistível. Ainda escutam os discos de Emir Kusturica e de Goran Bregovic? Esqueçam-nos! Prefiram o genuino. O autêntico. (8/10)

Publicado por Luís Rei às 03:26 AM | Comentários (3)

outubro 23, 2003

CdT aplaudem VOXX

De acordo com a notícia do Diário Digital, a Voxx a partir da meia-noite de hoje abre, durante 24 horas, a antena à música portuguesa. De Zé Cabra, a Mata Ratos, passando pela Ágata, Trio Odemira e Vítor Espadinha. O retrato real dos momentos singulares da indústria musical nacional e do mercado paralelo da cassete pirata. Espero que não esqueçam o campeão de vendas da Feira das Mercês, Nel Monteiro.

Na manhã de hoje, José Duarte em entrevista na Antena 2, perguntava se o jazz feito por músicos portugueses era ou não música portuguesa. Apetece também perguntar se, após a nova lei das quotas mínimas de audição de música nacional na rádio, que está pronta a sair do forno, iremos escutar mais vezes (ou pelo menos uma vez que seja) o Janita, a Cristina Branco, os At-tambur, os Gaiteiros de Lisboa, o Realejo ou o novo disco da Ronda.

in Diário Digital:

Rádio Voxx dedica 24 horas de emissão à música portuguesa

A rádio Voxx vai dedicar a partir da meia-noite desta quinta-feira 24 horas da sua programação à música nacional, com o «melhor e o mais representantivo do que se faz no nosso País em termos musicais», de acordo com a edição desta quinta-feira do Correio da Manhã.

Vários ícones da música portuguesa vão desfilar nesta autêntica maratona, entre eles «Ó tempo volta para trás», de António Mourão, «O bacalhau quer alho», do Saúl, «As 24 horas», de José Malhoa, «A minha sogra é um boi», dos Mata Ratos, e «Perfume de mulher», de Ágata.
As canções que celebrizaram Zé Cabra e temas de grande sucesso como «Anel de Noivado», do Trio Odemira, e «Recordar é Viver», de Vítor Espadinha, também vão ter tempo de antena nesta emissora que se classifica de «caótica portuguesa».

23-10-2003 9:24:55

Publicado por Luís Rei às 06:54 PM | Comentários (5)

outubro 22, 2003

Celso Fonseca ao "Natural"

© Klaus Mitteldorf

É mais um nome da movimentação “new bossa nova” criada na Bélgica pela ediditora Ziriguiboom. Compositor e produtor, Celso Fonseca conhecido no outro lado do Atlântico como “o guitarrista de Gilberto Gil", apresenta-se hoje na FNAC de Cascais para um showcase a sós com a guitarra. A avaliar pelo seu trabalho “Natural”, posso garantir-vos que Celso é um exímio instrumentista. De dedilhados mais subtis e elegantes típicos de bossa, à profundidade bluesy que cheira ao deserto de África e ao toque repleto de improviso.

Celso Fonseca a sós com o violão. Hoje na FNAC do Cascais Shopping, amanhã no Hard Club de Vila Nova de Gaia, na primeira parte de Fernanda Porto.

Publicado por Luís Rei às 01:02 PM

A Sensualidade de Cristina Banco no São Luíz

"De Camões a Slauerhoff". Hoje à noite no São Luíz (Lisboa). Há artigo no Público de hoje assinado pelo Fernando Magalhães.

Publicado por Luís Rei às 12:11 PM

Fernanda Porto: Salva pelo drum’n’bass

‘o "drum'n'bass" brasileiro se mistura muito com o "swing", o que deixa ele mais sensual. Um crítico em Inglaterra diz que o inglês inventou o futebol e o brasileiro é que sabe jogar; o inglês inventou o "drum'n'bass" e o brasileiro é que sabe fazer. Por isso se mistura tão bem com bossa nova, de-ta-de-te-de-te, muito quebrado, diferente dos outros ritmos electrónicos, muito tum-tum-tum. ‘ (In Público de hoje)

Hoje: LISBOA. Lux - Av. Infante D. Henrique. Cais da Pedra a Sta. Apolónia. Tel.: 218820890. Hoje, 23h. Bilhetes a 18 euros.

Amanhã: VILA NOVA DE GAIA. Hard Club - Cais de Gaia,1158. Tel.: 223753819. 6ª feira, às 22h. Bilhetes a 15 euros.

Publicado por Luís Rei às 11:52 AM

BIDAIA: Vespeiro basco

Bidaia
Oihan
(Resistencia / Sabotage)

Nem só de trikitixas e txalapartas é feita a folk basca. A par destes dois instrumentos, a alboka (que, curiosamente, dá nome ao interessante grupo de Joxan Goikoetxea) assume tão ou maior protagonismo no Euskadi. A sua sonoridade estridente, semelhante à bombarda bretã, casa na perfeição com a sanfona ocitana de Caroline Philips, oferecendo-nos um autêntico vespeiro a azamboar os nossos ouvidos. Ressonância amplificada pela acção do cordofone percutido local e milenar, Ttun-ttun (da família dos saltérios), feita com um nervo próprio do rock sem, contudo, ceder à tentação de amplificar instrumentos. Pequenos pormenores suficientes para falarmos da filiação Blowzabella e Hedningarna (apenas no pendor dançável e ressonante, se bem que não haja quaisquer vestígios de uma fusão acústica – eléctrica, mas a atitude paira por cá). Contudo, os Bidaia vão mais longe. Não há frente sem dorso. Não há música profundamente arreigada sem olhar para o resto do mundo. Apesar de cantarem em euskera, marcando firmemente a sua identidade, a música dos Bidaia viaja pelo mundo e pelo tempo. O saxofone e o contrabaixo imprimem um pendor mais jazzístico. As percussões de Jabi Area – darbouka marroquina e, sobretudo o cajon andaluz – dão-lhe uma cadência árabe-andaluz, que serve um propósito comum: o apelo irresistível à dança. Uma banda perfeita para o Andanças. (8/10)

Publicado por Luís Rei às 07:11 AM

outubro 21, 2003

CdT nos Sons em Trânsito de Aveiro

Depois do Agito (em Lisboa), as Crónicas da Terra vão promover um novo encontro de mostra de discos de músicas do mundo, inserido na programação do festival Sons em Trânsito (ver programação no site do SET. É no próximo dia 28 de Novembro em Aveiro, pelas 19 horas, no Navio de Espelhos. Duas horas antes do concerto do finlandês Kimmo Pohjonen. Esta será, portanto, uma sessão que dará um especial enfoque à folk nórdica.

Antes marcamos encontro para o Agito, a 8 de Novembro. Espero que possam aparecer.

Publicado por Luís Rei às 03:25 AM

outubro 20, 2003

Tejedor: Dêem-nos a Lua!

Tejedor
Llunáticos
(Resistencia / Sabotage)

A música folk, sobretudo no norte de Espanha é um fenómeno de massas. Os gaiteiros e as gaitas de foles continuam na moda. Os festivais crescem como cogumelos. Os grupos que clamam o pan-celtismo e as ligações trans-atlânticas com as ilhas britânicas multiplicam-se, havendo a possibilidade de se disputar vários campeonatos: da superliga, às distritais. No meio de tanta parra e pouca uva, o colectivo dos irmãos asturianos Tejedor é um nome a reter. Devolvem-nos o prazer de escutarmos a folk que parecia encontrar-se numa encruzilhada. José Manuel Tejedor (o gaiteiro de exímia técnica) poderia seguir os mesmos passos de Núñez e de Hevia, mas não o faz. Ainda bem. É certo que há neste disco, como também no primeiro “Tejedores de Suaños”, leves tentações de ceder ao fácil (são inevitáveis os inenarráveis teclados planantes e os “beats” de dança), mas com um certo controle. Se a folk é um poço de força, mestria técnica e emotividade, os irmãos Tejedor têm também a sua quota parte de culpa. São espantosos os diálogos entre a gaita de foles e o acordeão diatónico (de Javier) que, por si só, já asseguravam uma memorável gravação. Mas há mais. Muito mais: a abertura, “Gaites del Infiernu” é auspiciosa: gaitas, sanfonas, albokas, nickelharpas em chamas, numa resposta a “Bok Espok” de Kepa Junkera; o aroma asturiano feito de ritmos rápidos, ágeis e escorreitos (típico em Llangres e Llan de Cubel), de uma certa aragem escocesa e que põem a nu toda a beleza acústica do bouzouki e das guitarras acústicas de Igor Medio (membro dos Felpeyu que, na sombra de José e Javier executa um notável trabalho); a calorosa voz de Eve Tejedor interpretando deliciosos romances; e ainda há tempo para acabar em beleza com um solo de gaita de três minutos (“Floreu de Remis”) de nos tirar o fôlego. Mesmo assim, pouco, para quem provou cerca de vinte minutos da mesma receita em Sendim. (9/10)

Publicado por Luís Rei às 01:25 AM | Comentários (2)

outubro 19, 2003

OS MELHORES ÁLBUNS DE SEMPRE DE MÚSICAS DO MUNDO

Lista sujeita a constantes alterações. Última alteração em 19OUT03:

Hedningarna – Kaksi (1992)
Suécia / Finlândia

Marc Ribot Y Los Cubanos Postizos – S/T (1998)
EUA

Spaccanapoli – Lost Souls (2000)
Itália

Ali Farka Touré with Ry Cooder – Talking Timbuktu (1994)
Mali / EUA

Mahmoud Ahmed - Era Mela Mela (1987)
Etiópia

Alim Qasimov – Love’s Deep Ocean (2000)
Azerbaijão

Ibrahim Ferrer – Buena Vista Social Club Presents (1999)
Cuba

Taraf de Haidouks – Band of Gypsies (2001)
Roménia

Nitin Sawhney – Beyond the Skin (1999)
Inglaterra

Baly Othmani with Steve Shehan - Assouf (1994)
Argélia / EUA

Orlando Cahaito Lopez - Cachaito (2001)
Cuba

Ghazal – Moon Rise Over the Silk Road (1999)
Índia / Pérsia

Susana Baca – Eco de Sombras (2000)
Perú

Rabih Abou Khalil – Odd Times (1997)
Líbano

Ernest Ranglin – in Search of the Lost Riddim (1998)
Jamaica

Suba – São Paulo Confessions (1999)
Jugoslávia / Brasil

Rokia Traoré – Wanita (1998)
Mali

Toumani Diabate with Ballake Sissoko – New Ancient Strings (1999)
Mali

Oumou Sangare – Worotan (1996)
Mali

Taj Mahal with Toumani Dabaté – Kulanjan (1999)
EUA / Mali

Ali Farka Touré – Niafunké (1999)
Mali

Ali Farka Touré – Radio Mali (1996)
Mali

Kathryn Tickell & Friends – The Northumberland Collection (1998)
Inglaterra

Lo Jai – Musiques Traditionnelles du Limousin (1981)
França

Manu Dibango – Wakafrika (1994)
Camarões

Kirsten Bråten Berg + Solo Cissokho + Kouame Sereba + Bjørgulv Straume – Frå Senegal til Setesdal (1997)
Noruega / Senegal

Frifot – Järven (1996)
Suécia

Garmarna – Vittrad (1994)
Suécia

Mari Boine – Eagle Brother (1993)
Noruega

Gjallarhorn – Ranarop – Call of the Sea Witch (1997)
Finlândia

Milladoiro – As Fadas de Estraño Nome (1995)
Espanha

Llan de Cubel – IV (1995)
Espanha

Radio Tarifa – Temporal (1996)
Espanha

Luar na Lubre – Plenilunio (1997)
Espanha

Marilis Orionaa – Ça-i! (1996)
França

Vasmalom – II (1992)
Hungria

Taraf de Haidouks – Hounorable Brigands, Magic Horses and Evil Eye (1994)
Roménia

Muzsikás – The Prisioner’s Song (1986)
Hungria

Klezmatics – Jews With Horns (1994)
EUA

Vershki da Koreshki – Real Life of Plants (1996)
Rússia / Tuva / Senegal / Índia

Sainkho – Out of Tuva (1993)
Tuva

Kroke – Trio (1996)
Polónia

Badmarsh & Shri – Dancing Drums (1998)
Inglaterra

Altan – Island Angel (1993)
Irlanda

Dervish – Playing With Fire (1995)
Irlanda

Waterson: Carthy – S/T (1994)
Inglaterra

Blowzabella – Vanilla (1990)
Inglaterra

Poozies – Infinite Blue (1998)
Inglaterra

Maddy Prior and the Carnival Band – Hang Up Sorrow & Care (1995)
Inglaterra

Patrick Street – Live from Patrick Street (1999)
Irlanda

La Bottine Souriante – La Mistrine (1994)
Canadá / Quebeque
Abdelli – New Moon (1995)
Argélia

Yungchen Lhamo – Coming Home (1998)
Tibete

Djivan Gasparyan & Michael Brook – Black Rock (1998)
Canadá / Arménia

Pandit Shiv Kumar Sharma – Sampradaya (1999)
Índia

Pan African Orchestra – Opus 1 (1995)
Gana

Ashkhabad – City of Love (1993)
Turquemenistão

Ayub Ogada – En mana Kuoyo (1993)
Quénia

Hukwe Zawose – Chibite (1996)
Tanzânia

Musicians of the Nile – Charcoal Gypsies (1996)
Egipto

Farafina – Faso Denou (1993)
Burquina Faso

Ali Hassan Kuban – Walk Like a Nubian (1993)
Egipto

Fela Kuti – He Miss Road
Nigéria

Lhasa – La Llorona
Canadá

Nusrat Fateh Ali Khan & Michael Brook – Night Song
Paquistão / Canadá

Lambarena – Bach to Africa
Gabão / Europa

Solas – The Words That Remain
Irlanda

Hector Zazou – Chansons des Mers Froides
Diversos

Virginia Rodrigues – Sol Negro
Brasil

Tom Zé – Com defeito de fabricação
Brasil

Júlio Pereira & Kepa Junkera - Lau Eskutara (1995)
Portugal / Espanha

Farmers Market – Speed Balkan Boogie (1995)
Noruega

Chico Science & Nação Zumbi – Afrociberdelia (1996)
Brasil

Cascabulho – Fome dá dor de cabeça (1999)
Brasil

Marlui Miranda – Todos os Sons (1995)
Brasil

Caetano Veloso e Gilberto Gil – Tropicália 2 (1993)
Brasil

Istanbul Oriental Ensemble – Sultan’s Secret Door (1997)
Turquia

Ökrös Ensemble + Márta Sebestyén – Transylvanian Portraits (1992)
Hungria

Master Musicians of Jajouka – Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Jajouka (1971)
Marrocos

Huun-Huur-Tu – If I’d Been Born an Eagle (1997)
Tuva

Trio Erik Marchand – An Tri Breur (1991)
França / Índia

Riccardo Tesi + Banditaliana – Il Manifesto (199?)
Itália

Bill Laswell – Hear No Evil (1988)
EUA / Índia

Publicado por Luís Rei às 11:07 PM | Comentários (18)

outubro 18, 2003

Filipa Pais, hoje à noite em Coimbra

Filipa Pais actua hoje à noite no Teatro Gil Vicente, Coimbra, pelas 21h30.

Precário:Normal: 12.5 euros | Desconto: 10 euros(desconto aplicável a estudantes, portadores de cartão jovem e cartão municipal de cultura familiar, sócios do Círculo de Leitores, maiores de 65 anos e grupos com 10 ou mais pessoas) Informações e reservas na Bilheteira do TAGVHorário: 17h00-22h00 | telefone: 239 855 636

Publicado por Luís Rei às 06:25 PM

O poético mundo de Filipa Pais

Filipa Pais
À Porta do Mundo
(V&A)

É um caso raro. Com uma carreira tão profícua e quase uma década após ter editado álbum de estreia a solo “L’Amar”, Filipa Pais lança finalmente o seu segundo disco, “À Porta do Mundo”. É, de facto, uma porta para um mundo imaginário e inocente (as imagens remetem-nos para o universo de Principezinho de Exupery), fantástico, belo, poético. Um universo amadurecido e com os pés bem assentes na terra. Há ecos de tradição (“Não Se Me Dá Que Vindimem”, “Altinho”, “José Embala o Menino”) e das medievais Cantigas de Amigo de D. Sancho I, moldados pela contemporaneidade dos elegantes arranjos de João Paulo Esteves da Silva, criando um luxuriante universo para a voz cristalina e, por vezes arabizada (marcas da Lua Estravagante) de Filipa. O disco é feito de subtilezas que é preciso descobrir: Há a poesia de Cesariny, Reinaldo Ferreira e Hélia Correia. Há adufes que retumbam e bandolins a saltitar como a pulga, acordeões ora alegres e festivos, ora trágicos e sombrios, uma límpida guitarra infinita que se prolonga além horizonte, uma gaita de foles que pede licença para entrar, o toque mais clássico de violino de Manuel Rocha (bem diferente do registo da Brigada Vítor Jara), o virtuosismo de Yuri Daniel (contra-baixo) e de J.P. Silva (Piano) em “Cantiga de Amigo”. É mais um daqueles discos que irá manter acesa a discussão do que é ou não é Música Popular Portuguesa. Não há fronteiras estanques. Os mais puristas que torcem o nariz às experiências mais clássicas da Ronda dos Quatro Caminhos, têm de perceber que o mundo actual é feito de contaminação e miscigenação. E nunca como aqui o universo da música tradicional se encontra tão próximo do jazz. E ainda bem.

Publicado por Luís Rei às 06:18 PM | Comentários (2)

To be or not to be… Misia (or Mariza)

Pois é. Os ingleses que ainda não deram pela Cristina Branco e pela Mafalda Arnauth (editaram discos antes de Mariza ter rebentado, após as nomeações para os prémios da BBC radio 3), apressaram-se agora a falar sobre o novo disco de Mísia. É bom que as vozes portuguesas tenham agora um estatuto que nunca tiveram num país etnocêntrico, virado para o seu umbigo. É triste que o jornalista do Guardian perca mais de metade do texto a comparar Mísia com Mariza, sem gastar uma linha que seja para referir a influência Carlos Paredes em "Canto".

Thanks to the extraordinary success of Mariza, fado suddenly has a new international audience. But that has brought mixed blessings to other young exponents of the mournful, passionate national music of Portugal. Record companies are far more interested in fado than they were in the past, but comparisons with Mariza are now inevitable, especially if you happen to be called Misia.
She, too, is a young, stylish contender for the crown of the greatest fadista, the late Amalia Rodrigues, but favours cropped black hair and cocktail dresses rather than crimped blonde hair and gowns. Until now, Misia was often described as "the foremost contemporary fado singer", but that title is now clearly in dispute, and this new set shows why.
She has a fine, dramatic and suitably emotional voice and can switch with ease from tragic ballads to more stately, courtly songs (there's not much here in the way of lighter material), but on this showing she doesn't have Mariza's spine-tingling intensity.
Nor is she helped by her musicians: while Mariza's small and inventive band move fado forward, Misia is backed by a decidedly old-fashioned mixture of guitars and often cloying, sweeping strings. (Guardian, Friday Review – 17SET03)

Publicado por Luís Rei às 04:27 PM | Comentários (2)

outubro 17, 2003

É Hoje...

Moçoilas, Biblioteca Municipal de Lagos, 21h30

Mais informações, aqui

Publicado por Luís Rei às 11:40 AM | Comentários (4)

outubro 16, 2003

Fela Anikulapo-Kuti: A revolução não foi televisionada (nem será)

"77 albums, 27 wives, over two hundred court appearances. Harassed, beaten, tortured, jailed. Twice-born father of Afro-beat. Spiritualist. Pan-Africanist. Commune king. Composer, saxophonist, keyboardist, vocalist, dancer. Would-be candidate for the Nigerian presidency. There will never be another like him."
--Jay Babcock, Mean Magazine (Dec 1999-Jan 2000)

Não chegámos a tempo de ver a exposição Black President: The Art and Legacy of Fela Anikulapo-Kuti
de um dos maiores génios musicais africanos, que esteve aberta ao público do New Museum de Nova Iorque até 28 de Setembro. Mesmo assim, continua a valer a pena passar por lá.

Para quem tiver tempo de ler, deixo-vos uma série de textos, entrevistas, críticas, etc. publicada na imprensa americana e inglesa ao longo de mais de vinte anos:

July 17, 2003
Celebrating the Life and Impact of the Legend Fela
By LOLA OGUNNAIKE

Femi Osunla stood quietly before a wall of snapshots at the New
Museum in SoHo one evening last week, seemingly unaware of the
blaring music and swelling crowd that had gathered around him. Lost
in his remembrances, he was staring at pictures of the Nigerian
singer and political activist Fela Anikulapo-Kuti, who died in 1997.
Some were candid; others were posed. All were taken by Mr. Osunla, a
member of Fela's retinue for nearly two decades.

"I have over 15,000 photos of Fela in my archives," said Mr. Osunla,
whose dedication to documenting Fela's every move earned him the
nickname Femi Foto. He then pointed to his missing bottom teeth, the
small bump on his forehead, the thin scars that mar his face.
Standing on the front lines with Fela in a lifelong battle with
oppressive Nigerian regimes was "not an easy task," Mr. Osunla
said, "but I believed in what he was doing."

"I took the pain, the police brutality, the soldier brutality,
because I wanted the future generation to see that Fela was a great
man," he said.

Mr. Osunla and hundreds of others were on hand at the New Museum for
the opening of "Black President: The Art and Legacy of Fela
Anikulapo-Kuti." The crowd (1,500, by the museum's count) was a mix
of intellectuals and models, downtown hipsters and uptown
tastemakers. Throughout the evening a D.J. spun Fela's sinuous, horn-
driven grooves.

The draw was a multimedia group exhibition exploring the cultural
impact of this musician, a legend in West Africa. The exhibition,
which runs through Sept. 28, features 40 works of painting,
sculpture, photography, video, film and music from 34 artists from
Africa and the African diaspora; all were inspired by Fela
(pronounced FAY-lah).

"The most important cultural figure in Africa in the past 100 years
is virtually unknown in America outside of the African-American
community," said Lisa Phillips, the director of the New Museum. "It
is very important we introduce this figure to the American audience."

Fela was born Olufela Olusegun Oludotun Ransome-Kuti in 1938 in
Abeokuta, a small town north of Lagos, the former capital. He was no
simple man. Political dissident, polygamist, musical innovator — he
pioneered Afrobeat, a blend of traditional Yoruba music, jazz and
American funk — Fela lived a wonderfully controversial, complex (and
virile) life up until his death from AIDS at 58. Reveling in his
role as rock star, he smoked copious amounts of marijuana, married
27 women in one ceremony and often performed in nothing more than
bikini briefs and a wicked smile. He christened his home the
Kalakuta Republic and declared it immune from Nigerian law. But in
addition to being colorful, he was also prolific, producing over 70
albums and playing a variety of instruments on them as well.

Meanwhile he regularly lambasted Nigeria's leaders and railed
against the injustice he witnessed in his homeland and throughout
Africa. As a statement condemning apartheid, the cover of his 1989
album, "Beasts of No Nation," featured caricatures of South Africa's
former president P. W. Botha, Margaret Thatcher and Ronald Reagan as
horned vampires with blood dripping from their fangs. His lyrics,
sung in pidgin English and Yoruba, were equally scathing, fearlessly
identifying the names of those he believed to be corrupt. To
Nigerians he was a truth teller and, to some, even a messiah; the
day he was buried, Lagos was brought to a standstill as more than a
million turned out for his funeral procession.

With songs lasting anywhere from 15 minutes to an hour, his music
could not be called radio friendly, which may help explain why Fela
never enjoyed the mainstream popularity accorded Bob Marley, a
contemporary with a similar political sensibility. And while songs
like "Zombie," an attack on witless soldiers who blindly follow
orders, and "V.I.P.: Vagabonds in Power" endeared Fela to Nigeria's
downtrodden masses, he suffered at the hands of the government,
which banned his music and tried to silence him, going so far as to
burn down his compound in 1977, an experience he recounted in the
poignant song "Unknown Soldier."

"There are a lot of things about Fela's life and work that are
fascinating on a purely aesthetic level," said Michael Veal, a
professor of ethnomusicology at Yale University and author of "Fela:
The Life and Times of an African Musical Icon." "His music is great.
He was a very charismatic performer. Visually he was very striking.
But at the same time, while all this interesting aesthetic stuff is
happening, you've got someone who has really put their life on the
line to speak as a voice for the dispossessed and to dramatize the
struggle of his society on the world stage."

A painting by Barkley L. Hendricks, an art professor at Connecticut
College, speaks to the many sides of Fela. Mr. Hendricks features
the singer holding his crotch and a marijuana cigarette as a golden
halo hovers above his head, all set against a vibrant orange
background.

"I didn't want to just fall into deification," Mr. Hendricks
said. "It's a piece that's quite complex, and what you see at first
glance is not necessarily all that is there — and that was Fela."

Roberto Visani, who constructs model guns out of discarded material
(everything from crack vials to old crutches) culled from American
inner cities, said he drew inspiration for one of his firearms from
Fela's saxophones. "The first time I listened to his music, it was
like a magnet: it pulled me in," Mr. Visani said. He quickly
backpedaled. "No, his music is like an onion," he said. "There are
so many layers."

The work of the Nigerian artist Ghariokwu Lemi, who was largely
responsible for Fela's politically explicit album covers, is also
part of the exhibition, which oscillates between critical and
celebratory. Sokari Douglas Camp's arresting mechanical statue of a
woman stands in the middle of the main room, the word AIDS in stark
white emblazoned across her forehead. "Yo Mama," a painting by the
Kenyan-born artist Wangechi Mutu showing a woman stabbing a serpent
with her spiked heel, explores Fela's complicated relationships with
the opposite sex.

The show is much more than its curator, Trevor Schoonmaker, 32,
imagined four years ago when he began work on the Fela
project. "Black President" was originally meant to be a modest
gallery exhibit, Mr. Schoonmaker said. But as interest among artists
grew, so did his ambitions. He soon quit his job as an assistant
director at the Brent Sikkema gallery in Chelsea to focus on the
project. "The more and more I talked to people, the more I realized
it had to be a big to-do," Mr. Schoonmaker said.

Finding a home for the exhibition proved to be difficult. Mr.
Schoonmaker courted museums around the United States and London only
to be "shot down by virtually all of them," he said with a self-
deprecating chuckle. But for the New Museum's director, Ms.
Phillips, a show about Fela was an easy call. "You have to take
risks to be innovative," Ms. Phillips said.

And yet, some in the Nigerian community have questioned whether Mr.
Schoonmaker, who is white, is the appropriate person to introduce
Fela to Americans. "A subject like Fela is very personal to
Africans," said the Nigerian music producer Ogugua Iwelu, who worked
with Fela. He argued that the show would have benefited from the
insights of someone more familiar with Nigerian culture.

"If Spike Lee were to have done `Schindler's List,' he might not
have gotten the same cooperation as Steven Spielberg, because that
story is personal to the Jewish community," Mr. Iwelu said.

Still, Mr. Iwelu was not entirely dismissive of Mr. Schoonmaker's
efforts. "I respect his resilience," Mr. Iwelu said. "He has
definitely helped us open a door, and for that we are grateful."

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http://www.nytimes.com/1986/11/07/arts/music/19861107KUTI.html

11/07/1986

Fela Anikulapo Kuti, Nigeria's Musical Activist
By JON PARELES

THE Nigerian band leader Fela Anikulapo Kuti has been writing and
singing angry political songs since the early 1970's. He calls his
music Afro-Beat; it uses saxophone and brass-section vamps that
suggest a rawer version of James Brown as well as African
percussion, call-and-response singing and Mr. Kuti's own saxophone
solos and gruff voice; the lyrics are in pidgin English and African.
Tomorrow, along with the 26 musicians and 6 dancers of his band,
Egypt 80, Mr. Kuti will perform at the Felt Forum - a concert that
is two years and two months overdue.

On Sept. 4, 1984, Mr. Kuti and his band were boarding a plane to New
York from Lagos; he was stopped at the airport, arrested and
imprisoned for 20 months. Amnesty International, investigating the
charges of currency-smuggling against Mr. Kuti, declared him
a ''prisoner of conscience.'' ''They know my political views will
destroy the image of this country much more than anybody else,'' Mr.
Kuti said at the time, ''because I know what I am talking about.''

After a change of ruler and an international effort to free Mr.
Kuti, he was released in April of this year. The judge who had
pronounced the original five-year sentence apologized to the singer.
And after regrouping his band, Mr. Kuti proceeded with a European
and American tour. ''I didn't expect that they were still so low in
their minds,'' Mr Kuti said this week about the arrest. ''It just
shows how low the mentality of my country's leaders was. I thought
they had developed a little bit of sense.'' Unendearing, to Some

It was not Mr. Kuti's first encounter with government authority. His
songs denouncing corruption, multinational corporations, police
brutality and ''V.I.P.-ism'' had brought him a large audience, but
they did not endear him to Nigeria's former leaders; nor did such
actions as declaring his house an independent republic (it was
attacked and destroyed by Nigerian soldiers) or starting a political
party and running for president of Nigeria in 1979 (the party was
eventually banned).

At the same time, Mr. Kuti was creating and refining Afro-Beat, the
result of an education on three continents. Born in 1938 in
Abeokuta, Nigeria, he grew up in that country, where he led a school
choir and played piano and percussion. In 1959, he went to study
classical music in London, where he also played trumpet and
keyboards in jazz and funk bands. He returned to Nigeria in 1963 and
started his first band, Koola Lobitos, influenced by jazz and James
Brown.

The group came to the United States in the late 1960's, and ended up
in Los Angeles. There, Mr. Kuti was deeply impressed by the Black
Panthers and ''The Autobiography of Malcolm X.'' ''The whole concept
of my life changed in a political direction,'' he said. ''The
beginning was quite heavy because the change was a shock to friends
at home.''

When he returned to Nigeria, he began recording politicized dance
music, still steeped in James Brown but increasingly laced with
African elements. He called the band Afrika 70; in 1981, he changed
the name to Egypt 80 as a statement of pan-African unity. ''I'm
playing deep African music,'' he said. ''I've studied my culture
deeply and I'm very aware of my tradition. The rhythm, the sounds,
the tonality, the chord sequences, the individual effect of each
instrument and each section of the band - I'm talking about a whole
continent in my music.'' 'More Spiritually Aware'

Mr. Kuti said he had not written music while in jail. ''I wanted to
conquer the bottom,'' he said. ''Now, my mind is cleared up better,
I am more spiritually aware, and I can face tragic things with less
fear. My analysis of things I want to express is deeper.

''I didn't expect to have a band by the time I left prison,'' Mr.
Kuti said. ''But my younger brother did a lot to keep the band
together for me. The musicians must believe in something to stay.''
The group also includes dancers, some of whom are Mr. Kuti's wives,
married in a traditional ceremony in 1979.

Mr. Kuti has not given up his politics or his political ambitions; a
new song he will be performing tomorrow attacks ''the atrocities of
our leaders today,'' he said. Its title, ''Beasts of No Nation,''
came from a speech by the South African Prime Minister P. W. Botha,
who threatened that June uprisings would bring out ''the beast in
us.'' And Mr. Kuti, who made an album called ''Black President,''
still wants to lead Nigeria. ''I will be president of my country one
day,'' he said. ''There is no doubt about that.''

''My country will be a symbol of free human society,'' he
said. ''Now, there is a lot of violence between the armed forces,
the police and the citizens. If I became president now I would
immediately pass a law that makes every citizen a policeman or a
soldier. Today's society has so many laws and so many institutions,
but Africa needs a different approach before it can develop as a
continent.''

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LAGOS JOURNAL
Army's No Fan, but Singer Has an Army of Fans
By JAMES BROOKE
Published - 11/18/1988

It is well past midnight when the chief priest of the Africa Shrine
struts on stage here, dressed in a body-hugging blue satin jump
suit.

With a blast of brass from his band, Fela Anikulapo-Kuti kicks into
the rocking, radical songs that have made him Nigeria's most popular
singer: ''I.T.T.-International Thief Thief,'' ''C.O.P.-Country of
Pain'' and ''V.I.P.-Vagabonds in Power.''

''The longer the military stay in power, the more they fill their
pockets,'' he shouts in pidgin English, eliciting enough hoots and
whistles to rattle the corrugated iron roof of his ramshackle
nightclub.

Most African radicals assail their governments from a safe distance -
usually London, Paris or New York. Nigeria is different. In Nigeria,
anyone can join the Friday night pilgrimage to the Shrine, standing
on a suburban Lagos side street. For a $2 admission fee, pilgrims
get six hours of music, five stages with beautiful dancing girls,
vendors selling cold beer and strong marijuana, and an earful of
anti-establishment cabaret banter from one of Africa's most
provocative voices. Praise on His Birthday

''Nigerians like to fight,'' the sweat-soaked singer said,
collapsing on a plastic chair as his band took over for a
set. ''That's why they like me.''

To mark Fela's 50th birthday Oct. 15, two Nigerian magazines placed
his demonic visage on their covers and The Sunday Times, a
Government-controlled newspaper, ran a five-page spread.

In a birthday message, the Student Union of Obafemi Awolowo
University declared, ''Fela's saxophone has been terrific and his
voice has served as a bayonet against the 'animals in human skin'
that have turned Nigeria and Africa into a plunderers' land.''

Relaxing recently in his house in his standard press interview
attire -mustard-colored bikini underwear and a thumb-sized marijuana
cigar - Fela bristled at the idea that he might be softening at 50.

''I'm not looking about for any nonharassment,'' he said of his
relations with Nigeria's military Government. ''I don't want any
favors from them.'' In a recent song, ''Teacher, Don't Teach Me
Nonsense,'' Fela sings about Nigeria's military Government: ''Who is
the Government's teacher? Corruption and tradition.''

Songs like that have endeared Fela to many Nigerians, but not to the
soldiers who have ruled black Africa's most populous nation for 18
of the last 22 years. In April 1974, the police raided his communal
household in Lagos, the Kalakuta Republic. He was jailed for two
weeks. In November of that year, policemen attacked the Shrine with
tear gas and axes. The attack left Fela with a broken arm and with
cuts that required 11 stitches.

Unbowed, the musician put up a 10-foot electrified barbed-wire fence
around the Kalakuta Republic. In 1977, soldiers attacked. They
burned down his home, destroyed the only print of his movie, ''The
Black President,'' and threw his 77-year-old mother out of a second-
story window. His mother, Funmilayo Ransome-Kuti, a prominent
Nigerian women's rights campaigner, died of her injuries the next
year. A Five-Year Sentence

On Sept. 30, 1979, the day before a civilian Government took power
in Nigeria, Fela and his many wives carried a mock coffin to Dodan
Barracks, the headquarters of the military Government. He composed a
song marking the event: ''Coffin for Head of State.''

Fela's problems returned with the return of military rule in 1984.
In November of that year he was arrested at the Lagos airport on his
way to the United States for a concert tour. Convicted of illegally
exporting foreign currency, 1,500 British pounds, he was sentenced
to five years in jail.

''Nigerian prisons are the worst in the world,'' the musician
said. ''Even South African prisons are not as bad.''

In 1985, a new military leader, Gen. Ibrahim B. Babangida, came to
power in a coup and Fela was released, having served 18 months.
Since then the authorities have generally avoided tangling with him.

Part of Fela's wide appeal stems from his use of pidgin, or broken,
English, a dialect that has spread steadily in Nigeria as links have
faded with the old colonial power, Britain. ''You cannot sing
African music in proper English,'' Fela said. ''Broken English has
been completely broken into the African way of talking, our rhythm,
our intonation.''

To keep a finger on the popular pulse, Fela receives a steady stream
of visitors and maintains a large household. In 1978 he married 27
of his dancing girls in a single ceremony. All but eight left him
during his time in jail.

''I get my information mostly from women,'' he said about composing
lyrics. ''When you have as many women as I do, you don't need
newspapers.'' Back to His People's Roots

The son of an Anglican priest, Fela says he has made a conscious
effort to return to Africa's pre-Christian and pre-Islamic roots.

''When you are a colonial boy, you don't know anything about your
own culture,'' he said.

Returning to the ancestral worship traditions of his people, the
Yoruba, Fela worships an eclectic assemblage at his shrine - his
mother, an ancient Egyptian god named Khuti, Bob Marley, the
Jamaican reggae singer, and Kwame Nkrumah, the Ghanaian leader and
apostle of Pan-Africanism.

Detractors say Fela preaches anarchism and that his open and heavy
marijuana smoking encourages drug use among young Nigerians.

In reply, Fela said he opposes ''foreign'' drugs. Indeed, the
interview at his house was briefly delayed because Fela took time
out to whip a young man who had brought smokable heroin into his
household.

''You will never bring drugs into my house again!'' the wiry
musician roared, lashing the man repeatedly with a leather belt.

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http://www.nytimes.com/1993/08/16/international/19930816KUTI.html?
ex=1059019200&en=7e954992556d8309&ei=5070

08/16/1993

Nigerian Star Blames Politics for Murder Charge
By KENNETH B. NOBLE

Special to The New York Times

LAGOS, Nigeria, Aug. 15

About the only facts on which all sides in the case agree is that
the body of a man was found here in January, not far from the house
of Fela Anikulapo-Kuti, Nigeria's most popular musician and an
outspoken critic of the military Government.

Fela, as the 54-year-old singer and saxophonist is known, has since
been arrested, jailed, charged with murder and released on bond. He
vigorously denies any involvement in the killing, and he calls the
charges ludicrous and politically motivated.

"These people aren't serious," he said of his prosecutors the other
day. "It's just another one of their ploys to trap me."

"This is how the military works in this country," Fela added as he
relaxed at his home here in his standard press interview attire --
bikini underwear. "They make things up. They'll try anything to get
you." Family Under Pressure

The question of Fela's guilt or innocence is not likely to be
resolved soon. His lawyer, Femi Falana, was arrested last month and
charged with sedition, an offense that carries the death penalty. So
too, has Beko Ransome-Kuti, Fela's younger brother, a doctor and
former chairman of the local medical society who is among the
musician's closest advisers.

About the same time, Gani Fawehinmi, another lawyer and a prominent
civil rights advocate who has often advised Fela, was also arrested
for sedition and held without bail. And even Fela's wife, Fehintola,
was arrested last week in a roundup of dissidents although she was
released the next day.

What members of Fela's large extended family -- which includes
relatives by blood and marriage and an assortment of lawyers,
accountants, musicians and political figures -- have in common is
their highly vocal and persistent opposition to Nigeria's military
Government.

Many of them are leaders in the Campaign for Democracy, a coalition
of about 40 trade unions and civil rights groups that has emerged as
the leading opposition to the military rule of Gen. Ibrahim
Babangida. Campaign for Democracy

It was the Campaign for Democracy that brought Nigeria's largest
cities, including Lagos, to a standstill on Thursday, Friday and
Saturday with three days of civil disobedience to protest the
Government's decision to annul presidential elections held in June.

In turn, the soldiers who have ruled black Africa's most populous
country for 24 of the 33 years since it gained independence from
Britain have made no secret of their distaste for Fela or his
friends and colleagues.

Fela's former communal compound, called the kalakuta, was raided
countless times, most notably in 1977, when soldiers destroyed the
building and threw his 77-year-old mother out of a second-story
window. His mother, Funmilayo Ransome-Kuti, a prominent campaigner
for women's rights, died of her injuries the next year.

One of the most publicized conflicts between the authorities and
Fela, who has been imprisoned many times, occurred in 1984. In
November of that year he was arrested at the Lagos airport on his
way to the United States for a concert tour. Convicted of exporting
foreign currency -- 1,500 British pounds -- he was sentenced to five
years in jail. In 1985, when General Babangida, came to power in a
coup, Fela was released, having served 18 months, and until the last
year or so, the authorities had generally left him alone. During
most of that period, one of Fela's brothers, Olikoye Ransome-Kuti
served as Minister of Health in General Babangida's Government.

In the meantime, many of Fela's relatives and associates,
particularly his brother Beko, have stepped up their attacks against
General Babangida's increasingly authoritarian rule. Indeed, last
year Beko Ransome-Kuti became the chairman of the Campaign for
Democracy. Getting Back at Fela?

Then came the death of Adesanwo Shokoya. According to the
authorities, Mr. Shokoya, was a technician with Egypt 80, Fela's
band. Last January some band members accused Mr. Shokoya of
embezzling money, and Fela ordered that he be punished, police
testified in court. Mr. Shokoya reportedly died from blows he
received from two men who whipped him until he collapsed, the police
said.

No one has accused Fela of witnessing the incident or being near the
scene, but he was later arrested and charged with conspiracy and
murder. As many Nigerians see it, the case is being used by the
authorities as a way of getting back at Fela, his brother, Beko, and
other dissidents who have formed the core of an increasingly
effective opposition movement.

The Campaign for Democracy has planned another general protest for
the period leading up to Aug. 27, the date General Babangida has
said he will step down.

"Fela is certainly a nuisance, but he's no murderer," said a
newspaper editor here, who emphasized that he is no admirer of the
man or his music. "He's being punished not for what he's done, but
for who he is."

Fela said he had been advised not to talk about the specifics of the
case and declined to discuss the incident. But Beko Ransome-Kuti's
daughter, Morenike Ransome-Kuti, a Lagos lawyer, said being harassed
by the military authorities "is almost a way of life in our family,
you're used to it after a while."

She added, "It's the price you have to pay when you're fighting for
certain things."

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07/17/1991

http://www.nytimes.com/1991/07/17/arts/music/19910717KUTI.html?
ex=1059019200&en=af307361fbe746c3&ei=5070

Fela Spreads the Word in Song and Sermon at the Apollo
By JON PARELES

Fela Anikulapo Kuti, who is one of the most important public figures
in African music, likes to preach. On Monday night at the Apollo
Theater, an introduction to a song stretched into a 30-minute
lecture touching on African medicine, the Gulf war ("When Iran ran,
Kuwait was waiting, so Iraq rocked them too"), sex, pollution, Black
Muslims, poverty and his own remarkable physical condition ("I am
53, but I never get tired and my wrinkles are healing. I'm getting
younger.").

But the song that followed, "M.A.S.S." (Music Against Second
Slavery) was in proportion; it lasted more than an hour as members
of the 30-person troupe, Egypt 80, took instrumental and dance
solos. And the inspired music was as confident, eccentric and earthy
as the speech. It was a leisurely concert, with Mr. Anikulapo Kuti --
universally known as Fela -- leading the band for three hours,
following a half-hour of warmup, including a tune sung by the
bandleader's young son, Olaweseun.

Fela, a Nigerian, is a lifelong dissident who has bluntly denounced
corruption in Nigeria's Government. His defiant acts -- in the late
1970's, he declared his estate a republic independent from Nigeria,
and was attacked by government forces in a bloody battle -- have led
to harrassment and, in the early 1980's, imprisonment. But he
continues to make music that not only carries his messages, but has
its own bruising power. Fela is a great musician, a disciplined band
leader and a riveting performer.

In its three-and-a-half hours of music, the concert offered an
unusual chance to hear old and new material. After he records a
song, Fela stops performing it, so most of his concerts introduce
new material. But for his final piece, he reached back to the late
1970's for a song he said he had not recorded, and it showed how
much his music has changed. The song, "Palsa Palsa," started with a
James Brown-style guitar lick and layered on percussion, horns, lead
and call-and-response vocals. Although Fela's keyboard parts added
dissonance, "Palsa Palsa" still sounded like modal funk.

The new "M.A.S.S." used similar methods, layering riff on riff as
Fela declaimed lyrics in his emphatic baritone and cued sections of
his 16-piece band, 6 female singers and 7 dancers. But the musical
substance was radically different, a dense, brawny, implacable
march. Like Ornette Coleman, Fela has decided that melodic riffs and
insistent rhythm don't need to fit conventional harmony; "M.A.S.S."
went beyond dissonance to something like atonality. Its opening
guitar line was a chromatic zig-zag, and the intersecting riffs
piled atop it didn't share any prevailing key. With Fela striding
and dancing, catlike, across the stage, and the troupe's women
shaking their bottoms, it was a wall of sound as Phil Spector never
imagined it.

The other songs -- "A.S.B.O.P.," based on a rhythm Fela said he
heard in prison, and "B.B.C." ("Big Blind Country"), with Roy Ayers
sitting in on vibraphone -- created grooves of their own, from
rippling to bustling, as Fela sang and chanted about police
brutality, African unity and a dozen other topics. Unlike much other
African rock, Fela's Afro-beat is not sweet or seductive. It gruffly
stands its ground, sure of its righteousness.

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07/28/1989

http://www.nytimes.com/1989/07/28/arts/music/19890728KUTI.html

Fela Offers a Mosaic of Music and Politics
By PETER WATROUS

typical piece by Fela Anikulapo-Kuti, the Nigerian left-wing
political advocate and musician who is to perform tonight at the
Apollo Theater in a benefit for James Brown, plans to start out
slowly, with just the chattering of percussion. He will add layer
after layer of instruments, brilliant saxophone and horn lines that
magically interlock with the bass, drums and keyboards, or guitar
lines. Singers will sing, dancers will dance and after 20 minutes,
his 35-piece band, called Egypt 80, will have taken the audience on
a musical and political journey.

''The music of Africa is big sound: it's the sound of a community,''
said the musician, who is widely known as Fela, in an interview the
other day. . ''A lot of people play African music. It's music of the
people. It's music of togetherness. The tonalities, the rhythms of
the songs, it's all African. We have 43 people on the tour, and a
full show uses 35 of them. People tell me my band is too big, that I
can't go on tour. They try to use economics to destroy the culture
of my people. Why should money get in the way when I'm promoting
greatness?'' Fela, who is in his early 50's and who was reared in a
prominent upper-class Nigerian family, is probably Africa's most
famous contemporary musician. After being radicalized on a trip to
Los Angeles in 1969, where he was introduced to the politics of
Malcolm X, he has spent most of the last 20 years playing music and
putting up resistance to the various regimes, democratic and
military, that have been in place in Nigeria ever since.

His music is inseparable from his politics, and he said it has cost
him dearly: his house - a communal compound called the Kalakuta
Republic - and a club called the Shrine have been raided many times.

He said he has been beaten severely and has been imprisoned. During
recent anti-Government riots in Lagos, several people were shot in
front of Fela's house, a reminder, he says, that the Government was
watching.

''I've been beaten nearly to death,'' Fela said. ''The Government
put me in prison. I went through 20 years of suffering, so it's not
pleasant to do what I'm doing.

''Look, we're very backward. The African continent is degenerating
into what I call the era of second slavery. And it's caused by a
conspiracy of Western Governments on one side and illegal African
Governments on the other side, operating without a constitution. My
Government is like that, a military Government that runs the country
by decree.''

''Privatization in Nigeria is selling the Government to
individuals,'' he continued. ''And with the debt equity swap, the
World Bank is ruining my country with what it owns; it means my
country is on the market. I've never seen that before, historically.
It's happening in Nigeria, Ghana, and these leaders accept this
arrangement. Which makes me feel that they are agents for the
Western system: they do everything, they have the guns to persecute,
and people become poorer and poorer, which is making life difficult
for Africans.

''That's why I use politics in my music. That's the only way a wider
audience will get acquainted with the important issues. It makes
sense culturally as well. In Africa, we don't sing really about
love. We sing about happenings. That's the tradition: there are no
love songs like 'Darling, Kiss Me.' ''

When he was a teen-ager, he studied jazz, listening to Miles Davis
and John Coltrane, and in his saxophone improvisations, harsh and
brittle, one hears traces of the great masters of the American jazz
world. ''I played a lot of jazz in the beginning of my career
because it had cultural information that enriched my mind,'' he
said. ''Coltrane, Miles, Sonny Rollins, that era, because I found a
heavy relationship between that music and my culture. That
influenced me a bit, at the beginning of my career. When I changed,
I used this knowledge to penetrate into the culture of my people.

''When I lived in Los Angeles, I went to hear people like King
Pleasure, but when I came home, I didn't listen to much Western
music. Instead, I listened to mostly traditional music of my
country. When I came here, I tuned into a jazz station, which
refreshed me about what my African-American brother has been
doing.''

The benefit will be at the historic Apollo theater, a place where
many of America's greatest musicians have performed, including James
Brown. ''James contributed to African music in America,'' Fela
said. ''He's African, and though he's not as political as I'd like
him to be, this is a good place to start telling African-Americans
about how desperate the situation is in Africa - not just in South
Africa, but all over. I don't usually play benefits, not even for
Africa: we need good progressive ideas instead of benefits. But
James should have been treated with much more respect in considering
his offense. The penalty was too high. It needs to be protested.''
In December, Mr. Brown was sentenced to a six-year prison term in
South Carolina after failing to stop for the police in a two-state
car chase.

''I love his music,'' Fela said. ''And I love the idea that I'll be
able to help him in a place where the black groups I love have made
their greatest impression.''

*****************************************

http://query.nytimes.com/gst/abstract.html?
res=F0071FFF38590C778CDDA10894DF494D81

Fela, 58, Dissident Nigerian Musician, Dies

By DAVID M. HERSZENHORN (NYT) 1406 words

Late Edition - Final , Section B , Page 7 , Column 1
ABSTRACT - Fela, Nigerian singer and political dissident, dies at
age 58; photo (M) Fela, the Nigerian singer and band leader who
combined pulsating Afro-beat rhythms and scathing pidgin English
lyrics to goad Nigeria's leaders and denounce their authoritarian
regimes, died on Saturday at his home in Lagos. He was 58 and had
been Africa's most famous musician and his country's foremost
political dissident.

The immediate cause was heart failure, but he had suffered from
AIDS, his older brother, Olikoye Ransome-Kuti, said at a news
conference in Lagos, Reuters reported.

***********************************

http://152.1.96.5/jouvert/v2i1/stan.htm

Fela and His Wives:
The Import of a Postcolonial Masculinity

by
Derek Stanovsky
Appalachian State University

On August 2, 1997 the great Nigerian musician, Fela Anikulapo-Kuti,
died of heart failure due to complications from AIDS in his home
city of Lagos, Nigeria. One of a relatively small group of African
musicians to achieve some measure of international fame and success,
particularly in Europe and the United States, his death was noted in
the Western press by newspapers and magazines ranging from The New
York Times and Time magazine to Rolling Stone and Spin. In each of
these cases--along with the mention of his musical accomplishments,
his radical politics, and his frequent imprisonment by the Nigerian
government--comes mention of his twenty-seven wives and his habit of
performing dressed only in bikini briefs.[1] In obituaries never
more than a few column-inches, why is this information about his
wives and his dress so ubiquitous? What makes these aspects of
Fela's life worthy of wide-spread attention in announcements which
sometimes do not exceed one-hundred words? In these hundred words,
why is there room to mention twenty-seven wives and bikini briefs in
the life of an individual whose musical career and legacy spanned
decades and continents? In short, how is the masculinity of this
postcolonial cultural icon packaged for consumption in the West and
why?[2]

This paper explores the possibility that the production and
consumption of Fela as a radical, third-world cultural and political
figure is coupled with his presentation as radically polygynous and
misogynist in ways that allow him to be fit into the existing
discourses of race and gender in the West by both mainstream and
left audiences. I will suggest that Fela's fame in the West is not
in spite of his polygyny and misogyny, but at least in part because
of them. These elements allow him to be easily assimilated into the
pre-existing script of Western expectations for Black African men,
and additionally provides an implicit contrast that enables
progressive (male) Western audiences to perceive themselves as both
non-sexist and non-racist. I will begin by examining the thoroughly
postcolonial context out of which Fela emerges and into which he is
received. Then, drawing on recent work by Judith Butler on gender as
performative citation and iteration, I will discuss the implications
of this theory for views of race and masculinity in postcolonial
contexts and apply it to the case of Fela and his wives. My aim is
to illuminate both the cultural politics surrounding Fela's death,
as well as explore the importance of Butler's work for postcolonial
theory.

Fela Anikulapo-Kuti was born Olufela Oludotun Olusegun Ransome-Kuti
in 1938 in Abeokuta, a Yoruba town in Western Nigeria, to the Right
Reverend Israel Oludotun Ransome-Kuti, an Anglican priest, and his
wife Funmilayo Ransome-Kuti, a prominent activist in women's and
nationalist causes.[3] Educated in Great Britain, as were his
brothers, Fela studied classical music in London while his brothers
studied medicine. In London, Fela discovered American jazz and the
music of Charlie Parker, John Coltrane and Miles Davis, and his
earliest Nigerian band was a jazz band. In 1969, Fela traveled to
the United States and credits this trip with his own radicalization
through exposure to the politics of Malcolm X and the Black
Panthers. In an interview, Fela recounts:

It's crazy; in the States people think the black-power movement drew
inspiration from Africa. All these Americans come over here looking
for awareness. They don't realize they're the ones who've got it
over there. Why, we were even ashamed to go around in national dress
until we saw pictures of blacks wearing dashikis on 125th Street.
(Herszenhorn)
Along with a newly militant political consciousness, Fela also
returned to Nigeria with new musical influences from artists such as
Otis Redding and James Brown.

Not long after this, Fela and his mother Africanized their family
name, substituting Anikulapo, a Yoruba name meaning "one who carries
death in a pouch," for Ransome. It was also during this time that
Fela formed his influential forty-piece band Africa 70, later
renamed Egypt 80, and began forging his distinctive fusion of West
African highlife, jazz, funk and traditional African tribal musics
which he dubbed "Afro-Beat," a label he later distanced himself
from, preferring instead to refer to his work simply as "African
music" (Stewart 121). Every bit as distinctive as the sound of his
large band, with their hour-long songs featuring intricate
percussion and horn arrangements, were Fela's lyrics.
Uncompromisingly radical, Fela's songs were political attacks aimed
at a Nigerian government and a world order that systematically
exploited and oppressed Africans. With song titles such as "Sorrow,
Tears and Blood," "Colonial Mentality," "I.T.T." (International
Thief Thief) and "C.B.B." (Confusion Break Bones), Fela's songs were
intended as political weapons. They were certainly treated as such
by the Nigerian government, which banned his music on government
radio stations and harassed, beat and imprisoned Fela on a number of
occasions. The most brutal incident occurred in 1977 when hundreds
of soldiers surrounded and overran his communal home, burned it to
the ground, injured dozens of supporters and residents, beat Fela
himself to unconsciousness, broke his hands, and threw his seventy-
seven year old mother from a window, causing her injuries from which
she later died.

It was this attack that cemented Fela's revolutionary political
commitments. It was also after this attack that he married the
twenty-seven women, dancers in his band, in a traditional tribal
ceremony, an act with nationalist overtones in Nigeria and an
affirmation of tribal culture, contexts which are difficult for
Western audiences to appreciate. [4] By 1986, after his release from
two years in prison, he divorced these women. None were forced to
leave their home, though some had already moved on during his time
in prison. The fact of his mass divorce is seldom mentioned in his
obituaries. However, his polygyny is frequently cited, and cited as
if it remained a fact.

The fact of his polygyny is also often used as supporting evidence
for a pervasive misogyny, as if polygyny were the same thing as
misogyny, or as if the tribal practice of polygyny were the source
of all other misogyny. It is true that Fela's views on women were
far from progressive. The sexual politics of the lyrics in his
songs "Lady" and "Mattress" are as reactionary as the titles
suggest, and in interviews Fela remained unapologetic for his views
on women: "To call me a sexist . . . for me it's still not a
negative name. If I'm a sexist, it's a gift. Not everybody can fuck
two women every day. So if I can fuck two women every day and they
[critics] don't like it, I'm sorry for them. I just like it"
(Stewart 119-20). Given such statements, it is not the fact of
Fela's misogyny I wish to contest, but the depiction of its source.

The linking of Fela's polygyny and his misogyny is extremely
problematic. In the West, such a link perpetuates the images of
Africa used to justify and legitimate colonial and neocolonial rule:
Africans as culturally backwards, in need of Western guidance and
enlightenment in managing even basic tasks such as family life. It
also feeds the Western stereotypes of Black masculinity as
dangerously hyper-sexual, and provides an imagined foundation for
these stereotypes in African tribal culture and the institution of
polygyny. [5] It suggests that all African men are misogynists (or
at least potentially polygynists) on the basis of the example set by
a single Nigerian pop-star. Such a generalization is clearly
unwarranted, yet the implication remains. As Chandra Mohanty and
others have argued, homogenizing practices such as polygyny and
labeling them as universally misogynist is a mistake. Universalized
in this way, such institutions are effectively "denied any cultural
and historical specificity, and contradictions and potentially
subversive aspects are totally ruled out" (Mohanty 66). Thus, Yoruba
polygyny becomes implicitly assimilated to every other culture which
practices any form of polygyny, and all are judged as oppressive to
women by an assumed first-world, Western standard of monogamy. It
also denies the possibilities for opposition and resistance these
practices may enable in certain circumstances. For instance, Fela's
public performance of polygyny took place after the attack by
Nigerian soldiers. Part of the meaning of this action under these
circumstances was an assertion of a Yoruba identity in opposition to
the predominantly Christian Nigerian government and as a form of
resistance to the process of development and Westernization being
imposed on Nigerians at the expense of indigenous tribal customs and
practices. In Lagos, many perceived this ceremony as aimed at
criticizing the hypocrisy of some "prominent Nigerians who posed as
modern, monogamous men but openly kept numerous mistresses by whom
they had children" (Howe 132).

To assert a simple connection between this strategically enacted
polygyny and Fela's reactionary sexual politics is thus a suspect
move at best. Such a move depends on the construction of an
authentic, native masculinity which is essentially misogynist in
nature. This masculinity is then deployed to explain, on the one
hand, how an otherwise progressive and radical political and
cultural figure could slip into such regressive and conservative
views on women. On the other hand, it shores up a Western self-image
as the source of all enlightened and progressive politics,
especially with regard to women. This situation might once again
fall under the heading Gayatri Spivak has described as "White men
saving brown women from brown men" (297). Here the brown women are
being saved from the polygyny of a brown man by the now emancipatory
notion of Western monogamy. [6] In fact, such an inscription of
Fela's masculinity into an essentialized notion of native misogyny
fits poorly with the rest of his biography and even conflicts with
it at several points.

Consider again the outlines of Fela's life sketched above. To re-
create Fela as the image of "authentic" native masculinity requires
a great deal of creative license. Fela, from birth, was enmeshed in
the hybrid culture created by British colonialism, decolonization
and neocolonialism that has shaped and reshaped Africa in the
twentieth century. Fela's family belonged to the native elite in
Nigeria, his father being an Anglican priest. What occupation could
more clearly mark the British colonial influence than ordination in
the Church of England? It was certainly this elite status that
secured Fela his education, eventually sending him to London and
Trinity College of Music where he studied trumpet and played jazz in
clubs on the weekends. This life does not easily fit with Western
expectations of an authentic native upbringing, just as polygyny
does not seem to mesh with the images associated with being the son
of an Anglican clergyman.

Further complications emerge if one considers Fela's mother,
Funmilayo, in this context. [7] Funmilayo Ransome-Kuti was a leader
in the struggle for women's rights in Nigeria and played an active
and visible role in nationalist causes. A founder and leader of the
Abeokuta Women's Union and the Nigerian Women's Union, in 1948 she
helped organize the women of Abeokuta in a successful revolt against
a tax on women. Friend to Ghana's Kwame Nkrumah and winner of the
Lenin Peace Prize, by the time Nigeria became independent in 1960
she was perhaps the best known woman nationalist in the country.
This biography too is difficult to reconcile with a story which
attempts to envision a son's misogyny as the direct result of
regressive tribal influences. Here, Fela's mother is a strong,
outspoken political figure active in women's causes, not the sort of
figure one expects to meet if the assumption of a pervasive culture
of native misogyny is accurate.

Given his mother's overtly feminist politics, it is tempting to look
for outside sources to explain Fela's attitudes towards women. One
might, for example, look to his connections with the Black Panthers,
a group not known for their progressive sexual politics. Fela's
travel to the United States in the late sixties is often identified,
both by himself and others, as an important radicalizing event in
his life. The emerging black-power movement in the United States
evidently resonated strongly with Fela's own anti-colonial views and
strengthened his pan-Africanist populist commitments. This story
provides his progressive racial politics with a first-world
pedigree, leaving his regressive sexual politics to be explained by
the residues of tribal culture. But why should everything good and
progressive have a first-world origin, and everything bad and
regressive be blamed on an underdeveloped African culture? This
approach is especially problematic given the progressive nature of
the gender politics practiced by Fela's mother. If a group such as
the Black Panthers were influential for Fela's racial politics, it
seems unnecessary to posit a purely African source for his
regressive sexual politics. One could argue that Fela's views on
women were very much in line with other left figures of the time,
and if he drew his inspiration from these figures for his politics
of race, his sexual politics could also be influenced in this same
way. The argument here is not that the Black Panthers are
responsible for Fela's bad attitudes towards women, only that it is
unnecessary to posit a purely African source for those attitudes.
Even this story will not bear close scrutiny, since Fela's
introduction to the Black Panthers was through a woman member,
Sandra Smith, with whom he had a relationship at the time. It is
clear he took her political views seriously since he adopted many of
them as his own. Given this more complicated background, it seems
unlikely that one either can, or should, identify any single source,
whether African or American, for Fela's conflicted views on women.

Ultimately, it is difficult to claim the title of native
authenticity even for Fela's music. Just as Fela's family background
and schooling were characterized by the fusion and hybridization of
cultures brought about forcefully by colonization, his music also
bears the marks of that history. Even if there were such a thing
as "authentic" African music, it would be hard to argue that Fela's
music should be categorized this way. Classically trained in London,
steeped in American jazz and funk, if Fela is to bear the title of
an authentic African musician, it must be on the basis of an
expanded notion of what counts as authentically African. The lyrics
to his songs are in English, the language of the colonizers. This
fact alone should be enough to cast doubt on this imagined
authenticity. However, English is also one of the reasons for Fela's
success across Nigeria, across Africa and around the world. His
songs are in a language made common by colonization, but global
colonization also makes possible global resistance. Without English
lyrics, it is doubtful his music would have had the same impact or
influence. Sometimes Fela himself described his music in terms of
the Western classical tradition in which he was schooled. "[Y]ou
cannot say Fela is writing one song. No! Fela is writing a song with
five movements. . . . It's like a symphony but in the African sense"
(Stewart 117). What is a symphony in the African sense? And what
sense does it make to claim this African symphony to be
authentically African? However, if capturing an imagined, lost
African purity is not the goal, then perhaps Fela is a very good
choice as a representative of African music. His music is a product
of Africa's colonial and postcolonial history and as such represents
the present realities of Africa. What Fela lacks in purity of native
authenticity, he more than makes up for in richness of postcolonial
fusion.

Although Fela himself tended to identify his music as "African
music," such a label carries with it different meanings when it
comes from Fela, a political activist in Lagos, than when it comes
from Time magazine. For Fela, the identity of "African" has a use in
his pan-African politics for building solidarity across national
boundaries and across linguistic and cultural barriers in an effort
to build an international political movement. In Time magazine, the
epithet of "African" serves more to homogenize and obscure the real
differences among Africans from the gaze of Western eyes, and
creates an imagined, almost mythic, space called "Africa" which acts
as a repository for a host of Western fears and desires. In one case
the goal is to overcome differences; in the other it is to deny the
existence of those differences.

In general, any reference to an authentic "African" or even an
authentic "Nigerian" identity is suspect if what is meant by this is
a pure, originary identity free from any taint of outside influence.
Such an identity is certainly not possible now, and perhaps never
was. This does not mean that there are no such things as either
Africans or Nigerians, only that those identities